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Barbican

Teratology
怪異研究

Teratology is a term currently connected to the study of physiological development and its potential abnormalities, which also includes deformities in botany, but in the 16th and 17th centuries teratology was essentially the “science of monsters”, which were the subject of collection, wild misrepresentation and propaganda.

He Who Falls

Compagnie Yoann Bourgeois: He Who Falls at London International Mime Festival
Six performers appear to defy the laws of gravity, responding with strength and grace to maintain balance onboard a constantly shifting platform.

The World of Charles and Ray Eames
美國設計大師伊姆斯夫婦

The World of Charles and Ray Eames Barbican Art Gallery, London, UK 21 October 2015 – 14 February 2016 Charles and Ray Eames are among the most important designers of the 20th century. Their enduring influence is widely acknowledged and continues to be celebrated worldwide. The World of Charles and Ray Eames is a major

Magnificent Obsessions: The Artist as Collector
瑰丽之寶:艺术家藏品

Magnificent Obsessions: The Artist as Collector is the first major exhibition in the UK to present the fascinating personal collections of post-war and contemporary artists, including Arman, Peter Blake, Hanne Darboven, Edmund de Waal, Damien Hirst, Howard Hodgkin, Dr Lakra, Sol LeWitt, Martin Parr, Jim Shaw, Hiroshi Sugimoto, Andy Warhol, Pae White and Martin Wong/Danh Vo. Their collections range from mass-produced memorabilia and popular collectibles to one-of-a-kind curiosities, rare artefacts, and natural history specimens. Curated by Lydia Yee, the exhibition presents a selection of objects from the collections of the artists alongside at least one key example of their work to provide insight into their inspirations, influences, motives, and obsessions.

Roman Signer: Slow Movement
羅曼•西格納:慢動作

4 March 2015 – 31 May 2015 The Curve at Barbican Internationally renowned for sculptural installations and video works, Swiss artist Roman Signer presents Slow Movement, a new installation for the Curve using the kayak, a longstanding symbol and form in his work for three decades. Specifically made for this show, a kayak navigates the

Future Beauty: 30 Years of Japanese Fashion
東洋之花,花開三十年

撰文:王梓存 毋庸置疑,日本設計師們和他們所設計的服裝已風靡全球, 然而似乎卻從未有人對日本時裝的發展繁榮及現狀進行過一番檢驗似的審視。正是因為這個念頭, 深井晃子女士才籌辦了《未來之美:日本服裝30年》展,而觀眾們也因此有幸可以把握日本設計在時裝界崛起和繁盛的脈絡並感受日本服飾之美。在2014年11月-2015年2月期間,觀眾們可以在布里斯班當代藝術館欣賞到《未來之美:日本服裝三十年》展。展覽的外圍是關於日本時尚界30年的發展歷史,而核心區則是滿滿的幹貨:上百件日本設計師所制作的衣服盡數被實物展出。 筆者認為,了解日本服裝有兩個圭臬,是為傳承傳統和宣揚“和”文化,這兩者也同樣是日本服裝崛起於世界的關鍵詞。 從傳承上來說,日本社會對於時尚有著數百年的傳承,而另一個有著這種傳承的國家則是法國。日本的戰國時代,由於幕府、大名等社會上層階級對生活品質的追求,作為生活要素中的“衣”也開始變得考究起來。紡織業借此得到了發展,市面上的布料店鋪繁榮異常,故而服裝的材質圖案和花色都漸漸的變得多樣起來。這種風氣自上而下,白丁市井之人也開始註意自己的著裝。而這就是日本時尚的歷史傳承。 在日本文化中,日本人喜愛簡單,和諧與美的東西,例如菊花,菊花也是皇室的標誌。但同時,日本人也認為“美”──真正而純粹的美都是不可以被留住和把握的,例如櫻花,就連織田信長似的梟雄也會吟出“人間五十年,如夢亦如幻”這樣的詩句。將這兩種思想擰在一起便成為了一把打開日本美學盒子的鑰匙,這把鑰匙叫“侘寂”。侘為簡陋之意,講究外簡內秀;寂的另一種寫法是錆,錆是種顏色,這種顏色是礦物或金屬由於時間的腐蝕而留下的斑斑銹色。兩個字組合而成的侘寂,您可以借著兩字的內涵,把玩下個中味道。若是太過抽象,想想暖簾,想想漆物,想想無印良品(MUJI)的風格,想想日料的餐具,想想日式庭院中的石燈與流水。侘寂是可以被留住的且本質的美。這種獨特的美學也融入了日本設計師所設計的衣物中。另外,有趣的是,十九世紀末二十世紀初,法國畫家們曾深受日本浮世繪的影響。 70年代是日本設計師們初露頭角的年代,川久保玲與山本耀司首先登上了國際的舞臺。可以看得出,這個時期的服裝們在模仿西式服裝的前提下正在有意識地塑造自己的個性。直觀的說,這個當年的服裝依然華麗繁復,但是在細微之處卻已有了自己的個性。比如裙擺的紋理正在變得簡單,淩厲而和諧。80年代是日本設計師真正驚艷世界的年代,日式服裝終於形成了自己的風格,川久保玲、山本耀司與三宅一生三人一同打破了西式文化對時尚界的壟斷。這個時期的衣物有著鮮明的日式風格,首先是極少的花紋,甚至有許多衣服是純色且不含花紋的。面料的考究則是另一個特色,在考究的同時選擇樸素而讓肌膚感到舒服的棉、麻等布料,讓人感覺貼心。最後簡單但卻點睛的剪裁有巧奪天工之意,好似衣服本來就這那般樣子,寥寥幾剪便創造出樸素寬大但卻穿著舒適也不會放棄人體曲線的衣服,溫暖且渾然天成。90年代伴隨著日本經濟的衰退,設計師們所設計的衣服則又多了些哲學上的內涵。有些服裝有著畸形的設計,臃腫的背部和腹部,似有蛇盤踞在體內,有著關於母體和束縛的隱喻。而因日本是高度發達且秩序化的社會,個人的特征相對較弱,且在經濟衰頹之時蕓蕓眾生的心境自然也會有微妙的變化,於是還有些服裝是帶著頭套設計的。頭套與衣服的顏色和花紋連為一體,這樣的衣服抹去了個體的面孔,其含義值得玩味。這一時期也有設計師們嘗試將和服融入日常服飾的設計,例如有著和服紋理與圖案的西裝。進入到21世紀,隨著對社會幻滅情緒的加重和受快時尚沖擊的影響,那些已走上神壇的設計師們和新晉的設計師們變成了截然不同的兩支。新晉設計師們扛起亞文化的大旗,拋棄了侘寂的概念,用濃郁的澀谷風加“COOL JAPAN”的口號將服飾設計的繁復,華麗,可愛而又充滿不切實際之感,宛如從動畫中走出的一樣。例如有些高跟鞋就被設計成拖鞋的樣子,或是毛絨玩具的樣子,只是在鞋跟處可以看到被精心掩蓋起來的高跟,這樣的鞋子是顯而易見的對主流文化的一種反叛。就連時裝發布會也不再傳統,通過動畫發布或是讓購物中心的樓梯成為T臺並佐以少女團體的live,這一切除了對主流日本文化的反抗之外也多了些宅與萌的氣息。主流的設計師們則是各自探尋自己的道路,川久保玲的服飾變得鮮艷了起來,也多了大波點和可愛的弧度,換言之隨世情而走;山本耀司的服裝多了些運動氣息,這種氣息在領口和袖口處尤為明顯;三宅一生卻是深化著日式美學,有一件三宅一生的黑禮服,依然走的淡然侘寂之風,和諧更是多了幾分,穿在身上樸素耐看,被疊起來整件黑禮服則如同一朵黑蓮花一樣寂靜而對稱,堪稱精致的藝術品。關於21世紀的這些服飾和設計師們的選擇,在筆者看來現在並不適合為它們做結論,它們的未來還不明朗,也遠遠不到蓋棺定論之時,這些服飾和設計師們,他們的風格,這一切還需要時間去沈澱和檢驗。 一言以蔽之,日本設計師和日本服飾本身的偉大之處都在於,至少在時尚界,是他們首先扛起了東方文化的旗幟,打破了西方美學對於時尚界的壟斷統治。讓東方之美,從巴黎綻放到了紐約,再從東京盛開到倫敦。   In Praise of Shadows Flatness Tradition and Innovation Cool Japan   Interview with Tarun Nagesh and Akiko Fukai   Mr. Tarun Nagesh, Associate Curator, Asian Art, Queensland Art Gallery and Gallery of Modern Art. Facilitating curator of ‘Future Beauty: 30 Years of Japanese Fashion’ at GOMA.

Walead Beshty
沃德·巴斯蒂

A Partial Disassembling of an Invention Without a Future: Helter-Skelter and Random Notes in Which the Pulleys and Cogwheels Are Lying Around at Random All Over the Workbench sees the London-born, Los Angeles-based artist Walead Beshty transform the Curve by covering the wall of the gallery from floor to ceiling with more than 12,000 cyanotype prints.

Constructing Worlds
建構中的世界

Constructing Worlds: Photography and Architecture in the Modern Age Barbican Art Gallery, Barbican Centre, UK 25 September 2014 – 11 January 2015 This exhibition is part of the Barbican’s Constructing Worlds Season  Supported by: The Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts, Embassy of the Kingdom of the Netherlands and part of the SA-UK Seasons 2014 &

Momentum 動量

TEXT BY文字提供:ART.ZIP IMAGES COURTESY OF 圖片提供:BARBICAN CENTRE 巴比肯藝術中心 . Barbican has commissioned the multi-disciplinary art and design studio United Visual Artists (UVA) to create a new work for the Curve. Coinciding with their 10th anniversary, UVA present Momentum, an immersive installation that combines light, sound and movement. Drawing on physics and digital technology, UVA are

Tis Pity She’s a Whore @ Barbican

  真是个让人尴尬了几百年的剧名!含蓄的台湾巡演翻译成了文诌诌的《罪爱》,历史上,也曾被翻译成莫名其妙的假装家庭温馨的《兄妹》,雅中作俗,其实我觉得最合适的名字绝对应该是《哎呀妈呀,她咋是只鸡?!》我希望John Ford在天有灵,会喜欢这个露骨的翻译。就是这个让当时整个戏届跌破眼镜的剧本,成为了四百年来英语世界的一出重口经典。 兄妹乱伦,仇杀下毒,咬舌剖心……文明社会的最后一块遮羞布也被活生生揭开了。通常这样的剧本,很多导演都会被陷入故事主导的语境,幸亏这一次上演的版本来自著名的英国巡演剧团Cheek by Jowl,标志性的肢体语汇,骚到家的男女演员,端给观众一个活色生香的拼盘舞台。红色铺满整个舞台,中心的大床色情而肮脏,两扇大门贯穿起了所有的情節和人物。兄妹偷情结下孽果,父亲蒙在鼓里为女儿找来高富帅郎君,婚事在即,新郎旧情人妒火中烧,蓄意破坏却因自己的毒药在婚礼上暴毙,洞房夜完全不受干扰,干柴烈火却发现新娘有喜!“爸爸去哪了?”知情女佣泄密付出了整条舌头的代价,狂爱最终战胜伦理,撒旦狂欢,心脏作伴!真是一个不吃再吃不下,吃了翻肠倒胃的夜晚啊。 Cheek by Jowl于1981年创立,在舞台上充分体现了导演对于表演及演员的迷恋,唤醒演员内心深处的表演天赋,同时把语言本身作为表演的一个方面,应用法语,俄语作品探索欧洲大陆独特的表演方式和习惯。 只是可惜,有时候,当一件事成为经典的时候,谈论起它的时候也就没有那本该有的感情。散场的观众们,远没有曾经的震惊和兴奋,只是各个面露菜色,消失在了伦敦清冷而闷骚的夜色里,么也没剩…… https://www.barbican.org.uk/theatre/event-detail.asp?ID=15588  

03 Stop. The Label Effect of Jean Paul Gaultier
時尚大師JPG的標籤效應

近日,在倫敦芭比肯藝術中心(Barbican Art Gallery),“高緹耶的時裝世界:從街頭到時裝天橋(The Fashion World of Jean Paul Gaultier From the Sidewalk to the Catwalk)”的回顧展上,讓·保羅·高緹耶(Jean Paul Gaultier)展示了他塵封近四十年的儲物間,滿滿都是服裝,飾品,照片,影像,玩偶…… 他,法國時裝設計師,因上世紀在法國高雅的時尚殿堂內翻雲覆雨,“時尚界搗蛋鬼(fashion’s enfant terrible)”的稱號就此而來。也因為他認為美不是唯一的,所以他絕對不會滿足于追求穩定與统一。多年來,老爺子不斷的打破文化邊界,性別界限,重新定義了雌雄同體,顛覆了時尚的代名词……在他的字典里沒有規則可循,只要他認為是傳統的,過時的,但值得把玩的,他都會參一腳。這不是搗蛋鬼還能是什麼呢,真恨不得把所有的領域都貼上“by Jean Paul Gaultier”的標籤。 那么他的標籤魅力何在?他能把傳統緊身胸衣改成錐形體,使麥當娜在《金发女的野心世界巡演(Blonde Ambition World Tour)1990》大放光彩;他能在0號模特風行的當下,大膽起用大號模特替他走秀,令他“異類”的模特們論頻頻見報;他更有能力在管理自己同名品牌的同時,成為愛馬仕(Hermès)的設計總監…… 這些也許並不稱奇,總有人會唏噓他是因為過早地闖蕩時尚界才佔領了一席之地,也有人會不滿他選取的題材只是過於顛覆,極具爭議,所以才鮮有人去挑戰罷了,例如男人裙,“異類”模特,聖母系列等。 那麼如果就只有藍白條紋呢?簡單到不能再簡單的兩條線。這是老爺子在過去二十幾年里最反覆把玩的元素,樂此不疲,那麼他是如何牢牢鞏固其地位的不動搖——一直保持著藍白條紋元素等同“by Jean Paul Gaultier”的標籤,不論是在崇尚繁複美的過去,還是極簡主義氾濫的今天。 先來說說藍白條紋的歷史,經典的法國藍白條紋套頭衫曾作為法國佈列塔尼地區的水手制服,因此也可稱為“佈列塔尼條紋衫”(Breton Stripes)。而今的流行產品中,藍白條紋似乎沒有蘊含其歷史價值,而更多的被賦予了極簡主義,廣泛運用在平面圖形里。   下面再來看看老爺子手裡的這個經典元素是如何隨时代变迁而演變的。 2000“印度水手”禮服,長裙由鴕鳥羽毛拼接而成/ 2003春夏鈕釦系列,以棕櫚葉為原型的夾克帽衫/ 2011春夏系列,優雅的荷葉裙襬配上經典條紋   當然,老爺子也愛跨界設計: 2011年,老爺子和法國家居品牌Roche Bobois合作推出了水手條紋系列。這次他故意將條紋扭曲變形,更好的襯托出家居的線條美與空間的無限延展性,將視覺衝擊力推向巔峰。 。 2012年,老爺子也喝起了健怡可口可樂(Diet Coke)。作為新任創意總監,他相應推出了三款標誌性設計,其中一款就是藍白條紋型的可口可樂。再配上他經典的條紋裝,加上不羈的男女混淆裝扮,這則廣告一經播出,老爺子的經典標籤重現,限量版可乐瓶當即被搶購一空。 2013年,女孩與水手的限量版香水上市,而亮點就是包裝採用了藍白條紋。 。 最後,再來看下老爺子對藍白條紋有多專情吧。這幅肖像畫是由皮埃爾·吉爾(Pierre et Gilles)于1990年的創作,在當時老爺子手捧鮮花,仍然身著他的摯愛藍白條紋。所以還有什麼理由不貼上“by Jean Paul Gaultier”的標籤呢!   Text by

The Fashion World of Jean Paul Gaultier
让 – 保罗·高缇耶的時尚世界

Barbican Art Gallery, London 9 April – 25 August 2014 The first major exhibition devoted to Jean Paul Gaultier, the celebrated French couturier, opens at the Barbican in April 2014. This dynamic installation of more than 140 cutting-edge couture and ready-to-wear garments explores Gaultier’s fashion world, from his witty and boundary-pushing designs to his ceaseless

United Visual Artists : Momentum

United Visual Artists : Momentum, @ Barbican Curve Gallery. 13 February 2014 – 1 June 2014 UVA, (United Visual Artists)在Barbican环形画廊的装置作品 Momentum由12个悬挂在天花板上摇锤组成。这组结合了3D打印科技制成的摇锤,由疏至密的排列在180度的环形长廊之中。每一个摇锤都是光源和声源,在UVA编排的模式之下起舞。摇锤的底部是光晕所在,昏暗的羽白色光线在点状和环状之中切换。同时切换的还有不同的音效,光与声的协奏主导着整个画廊黑暗的环境。 而Barbican的环形画廊,正式艺术中心音乐厅的舞台后场。一墙之隔,便是音乐厅的主舞台。或许当台上的演奏家和歌者正站在一束高光下,我们在环形画廊中,也成为了UVA光线之下的表演者。 在这一次的环形画廊之中,前半部分发光摇锤的排列较为松散,给了观者初入空间,感知方向的时间。而后半部分,七束光线几近等距排列,适应了光影环境的观者们也停下脚步体验UVA所营造的氛围。光与声的节奏时而摇摆不定,时而步调统一,有的观众会如同小孩一般不断追寻光线,让自己站在亮处,或是拿出手机相机捕捉光源和人影。手机屏幕中发出的光线,成为了环境中了另一组光源。我们点亮手中的光,投影于这些摇锤,作品与观者似乎也互换了位置。 UVA通过这光线空间装置,强调营造一种‘自然’的感官体验。而光线装置强调这人与光现象感官的互动,从Antony McCall的描绘圆锥的光线,到Olafur Eliasson的天气项目之中巨大的人造太阳, 我们看到的不仅是作品本身,更是作品之下分享光源的观众。在环形画廊这个剧场式的空间里里,靠墙而坐的观者,注视着这些起舞的光线。罗兰巴特曾把黑暗的影院空间和心理医生诊室做比较。黑暗给予人幻想的空间和时间,我们在大银幕前舒服的坐下,正如同躺在心理医生诊室的沙发上,等待一束光线的催眠。

                   

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