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Saatchi Gallery: RONG BAO IS ME
包蓉是我

RONG BAO IS ME 23 FEB – 31 MARCH 2024 GALLERY 4,Saatchi Gallery “All forms of allure come to our attention through surprise or fascination, since we are not exactly certain about what it is we are dealing with, though we witness to its qualities.” –Graham Harman When Paul Klee painted his work ‘Twittering Machine’

Impressionists on Paper: Degas to Toulouse-Lautrec

Modernity in the second half of the 19th century formed itself in opposition to tradition as both an aesthetic concept and as social experience. It was understood as a new way of experiencing temporality in the form of the forever new and as such is marked by a permanent state of flux or transition. This

Mapplethorpe : Beauty and the devil are the same thing.

“Beauty and the devil are the same thing.’–Mapplethorpe   Time has now lapsed since his premature death (1989) so we might be inclined to ask if a survey show such as this might shed a new perspective on his work, or does it just serve to cement his already consolidated profile. Certainly, there has been

Self-Portraits–Autumn Exhibitions in London 2023

In the fall of 2023, London became the site of several major exhibitions or survey shows that brought to the fore the question of the identity, both artist and the artwork. The following commentary takes a series of Self-Portraits as a focus of attention. The self-portrait is of course persistent through art history, but in

Strangers: Daido Moriyama and Hiroshi Sugimoto
陌生人:森山大道與杉本博司

Strangers(1*): Daido Moriyama and Hiroshi Sugimoto   “Each instant covers the entire world.” Dogen: Shobogen “每個瞬間都包含了整個宇宙的無限。” ——道元禪師《正眼法藏》 It is not often that two major exhibitions of two artists of the same media, of the same nationality and approximate maturity occur in the same city at the same time with such contrasting outcomes. Indeed, what might

Interview with Thierry Noir: Painting a World Where Imagination Breaks Down Walls
專訪特里·諾爾——繪制一個打破想象力邊界的世界

Two years ago, serendipity led me to discover the captivating world of Thierry Noir’s artwork at an esteemed auction house. Since then, I’ve been following his artistic journey. Noir’s oeuvre spans from the realm of mural art to canvas paintings that exude boundless energy and rhythmic music. His artworks often feature anonymous figures with circular

Audrey Miao : Exploring the poetic in a world where digits intertwine with perception
在數字與感知交織的世界中探索詩性

Audrey Miao draws inspiration from her personal experiences, everyday observations, and emotions. She skillfully employs elements such as rhythm, balance, color, and imagery to express emotions vividly. Utilizing multiple mediums like imagery, sculpture, installations, and virtual devices, she merges tactile, auditory, and visual senses, breaking traditional artistic expressions. Audrey Miao’s artworks offer profound and authentic

Philip Guston: Doomed
菲利普·古斯頓:註定失敗

Preface The fragmentary essay below does not aspire to render a contextual study of the painter in ways that are structurally adequate to the task of synthesising its findings within other more comparative findings. Rather it is attempts to constitute its object as being spectrally other in that the text posits a final fold within

Interview with Fang Lijun—— Exploring Portraits and Porcelain
專訪方力钧——探索面孔与陶瓷

Ashmolean Museum, Oxford 14.10.2023 – 13.04.2024   Ashmolean Museum in Oxford is currently hosting a solo exhibition by renowned Chinese contemporary artist Fang Lijun, titled Fang Lijun: Faces and Ceramics. This exhibition is meticulously curated by Professor Shelagh Vainker, who serves as both the curator for Chinese Art at the Ashmolean Museum and an Associate

Chinese Art Today: From 20th-Century Tradition to Contemporary Practice
《文明的形狀:走向當代的中國藝術研究》

藝術現代化伴隨着資本主義的擴張而出現。人類各學科的長足進步,改變了思維認知,由此改變了視覺文化的圖景。中國是世界上最爲獨特,唯一綿延至今不衰的文化共同體。中國藝術在歷史的長河中,在工藝臻熟的基礎上,發展出了獨有的書畫體系。到了近代,中國藝術的書畫體系受到了⻄方藝術的衝擊。為了融入現代世界,中國藝術不得不進行調適。一方面,中國藝術需要重塑自我認知,梳理區域藝術發展的特色;另一方面,也需要借鑑⻄方先進的視覺創造理念,擺脫區域藝術的侷限,與世界其他文明一道,共建人類命運共同體。爲此中國藝術在體系、教育、國⺠性、形式、史論、生態和後現代這七個方面做出了回應,重塑了當代視覺文化。     中國藝術,作爲視覺文化的一部分,有着非常獨立自主的發展。雖然古代的中國在陶瓷、絲綢、玉器、漆器、木器、金銀器等工藝門類都有較爲突出的成就,備受世界讚譽,中國在世界上長期被稱爲“絲之國”或者“瓷之國”。自兩漢以來,中國的文藝意識覺醒,書畫體系逐步形成,有別於⻄方的藝術體系(雕塑、建築和繪畫)。因此中⻄方藝術碰撞交融的過程中,其共同關注的繪畫領域,首先出現了突破。⻄洋擬真的繪畫技法在中國得到傳播。 鴉片戰爭之後,中國世界中心的地位受到了衝擊,同時照相術的傳播,從一定程度上削弱了擬真繪畫的必要性。中國原本的書畫體系,伴隨着藝術傳承體系的改變,逐步過渡爲美術體系。傳統書畫不得不進行現代化改造,形成了上海畫派、嶺南畫派和京津畫派。 由於藝術教育體系的變化,傳統的師徒傳承逐步過渡爲美術學院式教育,美院的教育格局開始形成。世界藝術的圖景在20世紀初出現了裂變。以林風眠、吳大羽和常玉爲首的早期留法畫家,很早就認識到了寫實繪畫在世界藝術進程中的衰微。林風眠和吳大羽在歸國後,以國立藝術專科學校爲基地,致力於傳播世界性的現代藝術理念,培養了無數優秀的藝術家,其中代表人物爲趙無極、吳冠中和朱德羣。這些現代藝術家不僅具有國際化的視野,同時還致力於發展本⺠族的藝術特性。林風眠與同事們提出了 “介紹⻄洋藝術、整理中國藝術、調和中⻄藝術、創造時代藝術”二十四字方針,爲中國藝術現代化進行了綱領性的總結。 到了改革開放時期,原本的美術體系進一步解構和擴展,伴隨着後現代主義浪潮的到來,中國的美術體系開始向藝術體系過渡。在20世紀80年代,以八五新潮爲代表的美術運動,爲中國藝術界帶來了更爲複雜的藝術形式:裝置、行爲、觀念、影像等,進一步豐富了藝術的內涵,拓展了藝術的邊界。20世紀90年代,市場經濟的合法化爲中國藝術的生態注入了活力,藝術社區、美術館、畫廊、藝博會和拍賣行開始興起,帶動了當代藝術的蓬勃發展。張曉剛、王廣義、徐冰、⻩永砯、張恩利、陳彧君等當代藝術家不僅成功進入世界藝術收藏體系,並且在國際藝術舞臺上扮演着非常重要的⻆色。 回顧晚清到21世紀20年代的歷史,中國藝術顯然出現了翻天覆地的變化,傳統在創新中得到傳承和改造。中國的藝術史也從傳統的書畫史向美術史和藝術史轉變,其敘述邏輯和結構也多元多樣: 紀傳體、斷代史、地域史、通史、批評史、問題史等。龔之允的新書《文明的形狀:走向當代的中國藝術研究》就是以問題史爲主軸,統合通史與紀傳體特色的專著。 藝術史的方法論一般分爲形式分析、馬克思主義社會學和心理學三大板塊,以闡述藝術本體、藝術的社會影響力和藝術家個體表現三個維度的藝術價值。《文明的形狀:走向當代的中國藝術研究》一書的方法論綜合了以上三個分析板塊,重點闡述了藝術形式,特別是繪畫語言的變革,說明了中國當代藝術的傳承、借鑑和創新,展示了中國當代藝術多元多樣的格局。在藝術家個案部分,此書選取了老中⻘三代藝術家,分別從本土化和國際化兩個方面說明瞭中國當代藝術家成⻓環境的變遷和他們藝術語言的發展。 總的來說,中國當代藝術仍在不斷髮展變化中,作者希望此書能夠拋磚引玉,爲讀者勾勒出中國當代藝術發展的脈絡,爲中國當代藝術的價值提供建設性的提議。       ————————————————————————— 專訪作家龔之允   AZ: 什麼是寫作這本書的初衷和契機? GZY:我的博士論文研究的是關於中國當代藝術的起源,具體來說闡述了以八五新潮為主題的藝術活動和發展,所以一直希望能夠出版一部相關主題的藝術史專著。這一想法得到了許多業內專家和機構的肯定和支持。在此過程中我獲得不少中國近代藝術的資料,於是我把關注的焦點轉向了中國藝術現代化轉型這一議題上。而這一議題正好連結了我最早的藝術史研究——早期中西繪畫交流史。因此,從研究模型的角度來看,這段歷史打通了我過去的研究,能夠更好地闡述藝術交流史的現象。   AZ:您在書中提到了七大議題,這些議題的選擇是基於什麼標準或想法? GZY:即便在西方市場,關於中國當代藝術的書也有一些,而且不少資料也很齊備。我覺得一般對中國藝術感興趣的讀者對於煌煌巨著會有抗拒感。因此,我希望寫一部大家願意拿起來看,並且能夠深入看的書。為了達到這樣的目的,就必須對內容和歷史敘事進行取捨。於是我必須思考關於中國現代藝術到當代藝術的轉型,讀者最關切的議題會是什麼?我認為最首要的問題就是中國藝術對於世界其他地方的藝術有什麼原發性的特點,並且在現代化的過程中有什麼特殊的地方,同時如何看待中國當代藝術的現狀。這些都需要結合歷史的上下文來看。因此我從體系、教育、國民性、藝術形式、藝術史、藝術生態和後現代七個角度,正好沿著一條大致的時間線索來闡釋中國傳統書畫向當代藝術的轉型。這七個議題疊加在一起就能形成整體,系統地解答讀者面對浩瀚史料時的困惑。當然,我也認識到一般藝術通史的問題,因此希望用問題史的方法,引發讀者的思考。因此我並不執著於給出一個所謂權威的答案,而是在闡述事實的基礎上,給出作為藝術史家的立場和價值判斷,而把最終的解釋權留給讀者。七大議題是開放性的和啓示性的。   AZ:你怎麼看待當代中國藝術在全球化脈絡下的位置? GZY:中國當代藝術的影響力之大是世界無法忽視的。即便西方很多學者對中國一些“成功”的當代藝術作品和藝術家都產生懷疑,或者無法評論,但中國當代藝術的存在本身就是全球化脈絡中最為重要,也是最吸引人的一環。因為中國當代藝術附帶有對三種價值傳統的回應:中國傳統、西方傳統和馬克思主義傳統,這是世界其他文明形體所不具備的特點。正因為如此,中國當代藝術的複雜性和多樣性也從系統上呈現更多緯度。 當然,也有業界人士指出中國當代藝術有拿來主義的傾向,並且很多作品的價格凌駕在價值之上。但需要指出的是,拿來主義並非中國所獨有,而中國傳統和當代的思維模式卻有一定的特殊性。中國藝術的巨大能量,對全球當代藝術發展圖景的改變,超乎人的想像。很多學者認為中國藝術是對以西方為主導的全球化的補充。需要指出的是,無論是藝術還是藝術的歷史,中國有這其連綿不斷的歷史邏輯。在面對“三千年未有之變局”,中國藝術並沒有遭遇“亡天下”。西方的文藝復興有一種循環理論:新生——成熟——消亡——復興;到了近代,產生了“絕對前衛”的理念。而中國藝術發展邏輯非常不同,雖然在近代提出了救亡圖存,但其發展並不以“進步”為前提。好的藝術在中國一向追求“暢神”,一種遊戲性的精神。這種精神與後現代主義結合,反而更符合藝術現象學的邏輯。就目前而言,中國當代藝術在全球化脈絡下有幾位突出的作用,就個人而言,我希望今後它的價值呈現會更多元和平等。   AZ:您能詳細談談書中介紹的八大個案吗,它們在中國藝術歷史中具有什麼特殊意義? GZY:這八個案例的安排有一定的邏輯,能更好地從微觀的角度為讀者梳理大的歷史脈絡。從時間線上看,分為三個時代:林風眠、吳大羽和常玉為第一代現代藝術家,趙無極、吳冠中和蘇天賜為第二代現代藝術家,而张恩利和陳彧君則為當代藝術家。從橫向來看,林風眠、吳大羽和常玉都是早期的旅法藝術家,前兩者會到了國內發展,而常玉則在留在了海外創作。後來林風眠又在香港這個特殊位置從事藝術活動。他們三人的藝術軌跡,呈現了中國藝術在地理概念上的國際擴展。 以前有藝術史家寫Art in China,以顯示與Chinese Art的區別,但這顯然不符合中國當代藝術的呈現史實。中國當代藝術與全球化是不可分離的。這三代藝術家的國際藝術交流程度有各自的特點。比如吳冠中在旅法後回歸祖國,並且在改革開放初期為當代藝術的發展奠定了立場基礎。他的“形式美”和“抽象美”理論,為八五新潮的到來鋪平了道路。蘇天賜則是在晚年才有機會到國外進行藝術交流,他的油畫語言創新完全基於中國本土,有相當的典型性和特殊性。张恩利和陳彧君則是得到國內外藝術機構廣泛認可的藝術家,他們的國際參與度也很有代表性。這三代藝術家對傳統藝術的改造,對西方藝術的回應,都是中國以往藝術史中所不具備的。因此他們在中國藝術史中有非常重要的意義。   AZ:您認為中國藝術在形式和內容上最大的變革是什麼? GZY:中國藝術在現代化轉型中,實現了從“書畫”到“美術”再到“藝術”的體系變化。這極大地拓展了藝術的邊界,衝擊了以文人為核心的價值體系。因此從形式和內容上,中國當代藝術都出現了極大的變化,不再拘泥於“水墨”、“士氣”、“詩畫”、“風骨”等,而更加貼近當下的環境,展示當代中國人的精神狀態。從形式上來看,基於水墨的書畫已經不再是主流,取而代之的是架上繪畫、雕塑、裝置、影像、行為等。從內容上看,也不再侷限於所謂的高雅風骨,而是體現當下的存在。當然,目前的那些形式,很多非中國獨創,但中國特殊的藝術環境,有效地豐富了這些藝術媒介的語言。隨著新的藝術媒介在中國的興起,中國藝術語言的先發性和系統性的創新會更明顯。     AZ:在藝術教育方面,您覺得中國現在的體制有哪些優點和不足? GZY:藝術教育方面,其實最近二十年的變化挺大的。學生獲取信息的渠道和資源要遠遠優於改革開放之初。體制內的學生一般能有一定的基礎訓練,但創造性一直是重要的問題。因為專業性的培養,教科書式的訓練模式,一向滯後於當代藝術生態。現在藝術的場域變化特別快速。智能化和信息化時代,更需要藝術專業的學生有跨學科思維的能力。在這方面,國內的美術院校體系,還沒完全打開。在某些科系,比如多媒體系、綜合材料系或者版畫系,對於學生的培養也許更有優勢,因為接觸到的形式、材料和媒介更多樣。同時,體制內還有一些國際上比較出名的藝術家,也許能夠更多地激勵學生進行大膽的藝術創新。 目前而言,對於中國藝術教育,高校體系的問題要遠遠小於普及類的藝術教育。中國基礎的美學教育更為嚴重,藝術在普通家居的普及率非常低,還有一段成長空間。   AZ:書中提到“艺术现代化伴随着资本主义的扩张而出现”,您能展開這一觀點嗎? GZY:資本主義的擴張,外在帶動了資源在全球的流通。新的資源和思想促進了藝術生態的轉變。資本主義擴張進程中,藝術的贊助人從傳統的貴族轉向了平民,神權與世俗權力對藝術的闡釋讓位於個體的多樣性審美。審美傾向的轉變使得西方從古典循環中脫離出來,轉向了印象派為首的現代主義。新的資本主義贊助人拖動了野獸派、立體主義、超現實主義等前衛藝術流派的發展。而中國這樣的非西方文明區域則受到了歐美的衝擊,被迫進行視覺文化的改造。因此在資本主義擴張的時候,現代藝術隨之出現,但現代藝術的目的並非帝國主義的對資源的獨佔,而是打通藝術價值觀結構的流通,把藝術生態引導向多元。資本主義發展初期也是以打破階層壟斷,增強流通性為目的的,因此和藝術現代化有類似的目的性。   AZ:您如何看待传统艺术形式在当代环境中的重塑和传承? GZY:中國有這世界上最悠久傳承的歷史。學者錢穆曾表示,歷史就是我們中華民族最重要的精神支柱。因此傳統藝術必然會被一再提取、審視、評估和改造。隨著當代環境的上下文的轉化,傳統藝術必然也會得到重塑。目前最大的問題是如何重塑。之前有不少當代藝術只是簡單地進行圖像學的挪用和拼貼,流於表面。這顯露出,我們當代人對傳統有極大的生疏感和誤讀。但只要我們心中有這樣的歷史意識,文化獨特性的認知,必然會在視覺上找到更好的方法,用新的媒體形式來表現對經典的傳承。   AZ:您在書中有使用多種艺术史的方法论,這樣的多元方法是如何影響您的研究成果的? GZY:多元方法論可以豐富撰寫藝術史的形式。藝術史的方法論在我看來主要分為三類:形式主義分析;社會學;心理學。其中社會學包括了圖像學、人類學、文化學、經濟學等,而一般學者和藝術愛好者都會從這個角度欣賞藝術作品。形式主義分析則顯得比較枯燥,但值得指出的是,這是藝術史的基礎,從視覺本質出發的方法論。本次著述的一個重要議題是繪畫的發展,因此必然會從繪畫這一媒材特性,來追述歷史淵源和當下的實驗。藝術語言先於藝術內容,是目前我研究中比較堅持的一點。當然也有學者認為內容應該於形式並重。 之所以我要從藝術形式出發,是因為這部分是很多人容易忽視的。實際上,如果我們不清楚藝術語言在形式上的創新,我們很難界定所謂的“時代精神”是否有意義。比較藝術史是物質文化史。儘管在20世紀下半業,藝術家們擴展了藝術的物質邊界,甚至反物質,但不得不承認,視覺藝術必須要以媒材為依託而展示,也就無法脫離物質。對此,我的研究成果目前必須承認這一點,並由此出發,真誠地討論藝術史的問題,避免限於美學概念的桎梏。藝術可以從美學角度來解讀,而藝術史作為社會科學,有自己的對藝術的估測價值標準。   AZ:《文明的形状》一书涵盖了从形式分析到心理学多个艺术史方法论。您为何选择这种综合方法?

Gabrielle Chanel:Fashion Manifesto
香奈兒小姐的時尚宣言

  Victoria & Albert Museum  16 September 2023 – 25 February 2024   The Victoria and Albert Museum (V&A) in London presents the groundbreaking “Gabrielle Chanel:Fashion Manifesto” exhibition, running from 16 September 2023 to 25 February 2024. This exceptional showcase, marking its UK debut, is dedicated to the legendary French couturière, Gabrielle ‘Coco’ Chanel, tracing

Digital Reality in the Post-Pandemic Era: Zhengwei Li’s New Perspectives and Explorations
後疫情時代的數字現實:李錚維的新視角與探索

In the post-pandemic era, where digital lifestyle and remote communication have become integral parts of our lives, artist Zhengwei Li’s recent work delves into the essence of reality during this transformative period.   Within Zhengwei’s paintings, anonymous screens and enigmatic hands serve as symbolic representations of the anonymity prevalent in modern cities. Our lives have

David Hockney: Bigger & Closer (not smaller & further away)
大衛·霍克尼:更大更近(而不是更小更遠)

22 February – 3 December 2023 Lightroom, King’s Cross   Designed by 59 Productions in collaboration with Haworth Tompkins, Lighroom in King’s Cross is a sister space to the award-winning Bridge Theatre. This is London’s newest home for artist-led shows and the current host of the immersive exhibition “David Hockney: Bigger & Closer (not smaller

Interview with Erin Li——From Shadow to Spotlight : Women Artists and Global Abstraction
專訪李伊寧——滄海遺珠:女性藝術家與全球抽象藝術

Action, Gesture, Paint: Women Artists and Global Abstraction 1940-70 Whitechapel Gallery 9 February – 7 May 2023   The Whitechapel Gallery is showcasing a major collection of 150 paintings created by 81 women artists from around the world. This exhibition focuses on the gestural abstraction movement that emerged after the Second World War and highlights

Mike Nelson: Extinction Beckons
Mike Nelson: 逝去的召喚

Hayward Gallery 02 Feb – o7 May 2023   The Hayward Gallery is currently showcasing a survey exhibition of large-scale immersive installations and sculptural works by acclaimed British artist Mike Nelson, titled “Extinction Beckons.” This exhibition features psychologically charged installations that transport viewers into captivating fictional worlds with a resemblance to our own. Nelson, who

瀚思閣觀點 | 11月全球藝術季之東成西就

深秋之際,上海兩大藝博會——西岸藝術與設計博覽會及ART021當代藝術博覽會——終於在11月10日至13日同期舉辦。層層防疫措施之下,來之不易的兩場博覽會卻相繼提前終止。 而在大洋彼岸,紐約佳士得保羅·艾倫的慈善專場拍賣創下多項世界紀錄,成為史上成交金額最高的拍賣。   上海西岸藝術與設計博覽會&ART021當代藝術博覽會   作為2022年中國區僅有的實體博覽會,兩場藝博會的參展畫廊及機構都超出100多家,各大國際藍籌畫廊亦悉數回歸。雖然這兩個博覽會均不對外售票,僅採取邀請制入場,但前來觀展的觀眾數量超出預期,更多年輕面孔的出現也預示著未來市場品味的變化。 據報導,由於疫情管控的原因,不少身處上海以外的藏家都無法前往,因此許多畫廊對銷售預期比疫情前要低,接觸新藏家和新客戶的機會也大大減少。儘管如此,博覽會的銷售結果還是讓人感到欣慰,雖然成交率和銷售速度不如往年,但不少畫廊表示VIP預展當日就售出了相當多的作品,證明國內的藝術產業仍然活躍,市場仍在發展。   超过10万美元作品精选一览   纽约佳士得保罗·艾伦珍藏慈善拍卖   與此同時,全世界的目光落在了紐約佳士得舉辦的慈善拍賣專場「先鋒創見:保羅·艾倫珍藏 (Visonary: The Paul G. Allen Collection) 」。此次拍賣達成逾16億美元成交總額,成為有史以來成交價格最高的一場拍賣,打破了六個月前蘇富比麥克洛威(Macklowe)專場創下的9.22億美元的紀錄。 作為微軟聯合創始人,保羅·艾倫的藏品貫穿了五百年西方藝術史,涵蓋了從文藝復興時期到當代藝術最前沿的傑出作品,猶如一部藝術史的縮影。此次拍賣上的155件作品全部售出,幾乎所有拍品的成交價都達到或略高於預售估價,Andrew Wyeth的《白日夢》以2330萬美元的價格售出,是其最高估價的7倍多;修拉、塞尚、高更、梵高以及克里姆特的五件作品拍出價格超過一億美元,27位藝術家的拍賣紀錄也因此專場而刷新。 據佳士得稱,晚間拍賣專場裡有50%的作品最終流向美國買家,亞洲買家投得的作品佔12%,然而全場最高價格的拍品卻由亞洲買家贏得,包括全場最高價的修拉作品《模特們(小版)》。不難看出,亞洲投標的質量對此拍賣的成功至關重要,即使贏得拍品數量看起來不及其他區域的買家。   成交价超过一亿美元作品一览     Q:這次上海藝術週的銷售業績到底如何,展商和市場的情緒又如何? A:今年慶幸的是還是很多大畫廊長途跋涉經歷10天隔離來參加,遺憾的是西岸和021都倉促地提前關閉了,所有的參展展商和觀眾必然是很失望的,所以市場的潛力肯定沒有完全釋放出來。但是,很多畫廊辦了衛星展,不少美術館也同時舉辦了優秀的展覽,比如PSA,龍美術館等。我們認為在這樣的政策環境下,藝術周也盡力為藝術愛好者和藏家帶來了不少藝術的享受。但總的來說,我們認為市場的情緒不如往年。 Q:政治和疫情管控的影響是否會影響明年的上海藝術季呢? A:我們衷心地希望大家對於藝術的熱愛能頂住這個壓力,也希望明年能逐步放寬政策,相信藝術和文化不會停止前行。 Q:保羅·艾倫的的拍賣是否說明藝術市場還是一如既往的火熱? A:的確,一場拍賣60件作品就拍出了15億美金的高價,10幾年前,那可能是拍賣行一年的拍賣流水總額。但是對於市場的現狀,我們覺得恰恰相反,首先這場拍賣有很多高價擔保作品,其次,很多作品的買家可能是基於保羅的個人光環而出了高價,甚至有些作品的價格連我們也有點看不懂,比如一些1000萬左右的作品紛紛拍出2-3倍的價格。所以總的來說,我們認為市場現在略微有點冷,不能因為少數幾張作品的驚艷戰績而產生倖存者偏差的認知。與此同時,我們也看到拍賣行承受著高於過去幾年的壓力。 Q:接下來我們該如何買? A:在這個大家都冷靜下來的時候,我們可以認真地挖掘一些真正的好藝術家,市場的冷卻代表著大浪淘沙的時刻,不建議衝動消費,也不建議隨意出售。但是這是一個重新審視、評估自己收藏體系和策略,準備作出調整,並且深入研究的絕佳時機。下一篇我們將回顧年前我們追踪的全球TOP100新生代藝術家的發展軌跡。看看你們收藏的藝術家,一年之後都怎麼樣了?

瀚思閣觀點|紐約撤消拍賣監管條例,藝術界會出現哥譚市嗎?

近日,《纽约时报》披露纽约市政府已经悄悄地取消了对拍卖行业的一系列监管措施,而这些监管法令正是针对上世纪80年代多起拍卖行弊案而为拍卖行业量身定制的行业法规,30多年来这些监管法令促进了拍卖行业的透明度和公平性,也造就了纽约作为世界拍卖行业第一重镇的市场地位,如今全面撤销对拍卖行业的监管措施,让这个本来就充满神秘色彩和暗箱操作的行业变得更加扑朔迷离。   2022年6月15日開始施行的取消監管內容包括: 在紐約拍賣行從業的拍賣師不再需要由紐約市政府頒發的拍賣師從業執照。 在紐約經營的拍賣行不再需要確認客戶與拍品之間所存在的經濟利益(包括拍品是否已經存在不可撤銷的出價或者已經存在的經濟擔保)。 拍賣行不再需要披露拍賣行與上拍的拍品之間的經濟利益關係(撤銷監管前,拍賣行必須對客戶披露拍賣行於拍品之間存在的利益關係,如財務股份等)。 拍賣行在設置估價時更為靈活(在撤銷監管前,拍賣行不可以與私下客戶議定高於公開的最低估價的實際最低拍賣成交價格或者拍賣擔保價格)。 放鬆了對“吊燈競價”規則的監管(在撤銷監管前,拍賣師不可以在拍品到達拍賣底價前通過製造虛假的競拍來推高報價)。     此次取消的一系列對拍賣行的監管措施本是2021年紐約市政府為了復甦疫情后經濟而推出的的一攬子復興計劃的一部分,不過與其他受疫情打擊嚴重的餐飲、娛樂和零售行業不同,紐約拍賣行業在疫情期間並沒有受到太大的衝擊,甚至是在疫情期間不斷創出新的拍賣記錄,獲取數十億美元的利潤。對於這樣的行業現狀,在此時此刻選擇全面放寬對拍賣行業的監管力度,這著實出乎所有人的意料。 面對質疑,紐約市政府官員表示,近年來消費者對拍賣行業的投訴很少,他們相信現行的消費者保護法已經可以對拍賣行業進行有效的監管。 但對於紐約市出人意料地突然廢除了旨在提高拍賣行業透明度的長期規定的做法,包括蘇富比、佳士得和富藝斯等拍賣行都表示他們並沒有採取任何行動以試圖促成撤銷這些行業監督法規,大多數拍賣行表示今後仍然會沿用撤銷監管前的運營規範來進行操作。 居於行業頭部的紐約拍賣市場一直以來被視為全球拍賣行業的標杆,此次全面撤銷執行了30多年的對拍賣行業的監管措施,將會對全球拍賣行業帶來怎樣的影響?一直以來,拍賣行業因為其不透明的財務屬性及便於暗箱操作的特性被廣為詬病,同時也經常與洗錢和逃稅等違法行為有著糾纏不清的關係。雖然紐約市以提振疫情之後的經濟為目的,全面放寬了對拍賣行業的監管力度,但全球藝術品行業的專家普遍紛紛表示此舉有悖於讓拍賣行業更為透明,更為公平的長期發展目標。     Q:這一次紐約市取消部分管理條例的原因是什麼? A:據消息人士說,這次條例的變更直接原因是內部人員和開支縮減,裁員的同時也決定去除一些“非絕對必要”的條律,於是這些條例就突然被撤除了。 Q:這些條例的改變,對拍賣行意味這什麼? A:也許有個別拍賣行會發現自己突然回到了“狂野西部”時代,可以變得不透明而在監管盲區“為所欲為”。但是我們認為,雖然這是製度上的嚴重倒退,但是任何在乎自己名聲和口碑、珍惜客戶對其信任的拍賣行,都會堅持原有的透明政策,盡可能打造健康的市場環境。 Q:對於買家來說,這又意味著什麼?在紐約競拍的客人,從現在開始是否需要更加小心? A:這個變化一定會或多或少影響在紐約競拍的買家的心情和信心,這就意味著在拍賣前大家要比以前多做一些功課,有條件的最好去諮詢專業的顧問或者在拍賣行的客戶代表。多一份小心,總不會錯。 Q:紐約的拍賣市場一直是全球交易量最大、質量最高的,在這之後,會不會導致國際大拍賣行把一些高額作品放在倫敦或者香港拍賣來避免客人的顧慮? A:很多拍賣行比如富藝斯,佳士得都在第一時間發布聲明,聲稱會堅持原來的商業道德準則和標準,不會受到規範撤除的影響。我們相信大部分的拍賣行都會做同樣的事,至於這是否能維護住來紐約競拍的客人信心,我們將持續緊密關注全球重要拍賣的情況。

TEFAF Maastricht 2022
2022 歐洲純藝博覽會

MECC 2022年6月24日至30日   自從1988年在荷蘭東南部的馬斯特里赫特市舉辦以來,歐洲純藝博覽會 (TEFAF Maastricht) 就致力於在同一個屋簷下展現古往今來、各行各派最優秀的藝術作品。 經過了兩年有餘的停滯後,TEFAF與2022年再次回歸馬斯特里赫特會展中心(MECC),於6月24-30日隆重舉辦。 作为一个全球性的藝術盛會,TEFAF一直以其專業性和多樣性著稱:每一件藝術品都由藝術界的學者、策展人和藝術品保護科學家分別過目,確保參展作品的品質萬無一失;入圍作品的時間、地域和類別跨度更是應有盡有,從古代藝術(Ancient Art and Antiques)、雕塑與手工藝品到古典大師(Old Master)和19世紀油畫,再到現代與當代藝術、珠寶作品和紙上繪畫作品等等。 TEFAF在「後疫情時代」的重磅回歸不失驚喜與「驚嚇」。六月28日,珠寶展位Symbolic & Chase遭遇了一場持械搶劫,但展會在暫停一小時之後就恢復了秩序。 兩天的預展迎來了熱切的收藏家和藝術愛好者,在來自 20個國家的242家參展者的作品中遨遊;超過90家博物館參加了這次博覽會。 今年的展會展出了大量女性藝術家的作品,無論來自哪個年代,她們作品的銷售業績都十分喜人;在世藝術家的作品需求量在逐漸變多,古典大師的作品也風韻猶存。  尼古拉斯·豪(Nicholas Hall)給我們帶來了維托雷·卡帕喬(Vittore Carpaccio)在文藝復興時期的油畫作品《聖母子與塞聖徒西莉亞和芭芭拉(Madonna and Child with Saints Cecilia and Barbara)》,這幅深受貝里尼(Giovanni Bellini)影響的傑作,在預展期間就被一名私人收藏家以一百到一百五十萬美元的價格預定。 在當代和現代展區,德國/丹麥表現主義藝術家艾米爾·諾德(Emil Nolde)的傑出畫作《致敬(Huldigung)》在杜塞爾多夫展台以一百四十萬歐元的價格售出。   新的展會佈局也讓紙上繪畫作品首次位於展會主體。奧地利經銷商韦纳罗伊特和科尔巴赫(Weinerroither & Kohlbacher)以六位數的高價出售了席勒(Egon Schiele)的素描作品《倚靠肘部的女孩(Girl leaning on her Elbow)》;在珠寶區域,首次參展的華裔珠寶設計師Anna Hu以七位數的高價將她的作品《魔法百合胸針(The Enchanted Lily Brooch)》賣給了一位中國科技企業家——從喬治·華特·道森(George Walter Dawson)1935年的作品《金百合(Auratum Lilies)》中取得靈感,該作品使用了265.96 克拉的紅碧璽(rubellite),是全世界最大的紅碧璽製品。  在訪談環節(TEFAF Talks),舉辦方首次邀請了全球知名的學者和評論家參與的節目安排,促進對話,與新老收藏家和藝術愛好者分享行業的見解。在疫情與不確定性的「夾擊」下,TEFAF的成功舉辦給「後疫情時代」藝術行業的復甦更添了一些希望。   Edited 編輯 x

Van Gogh Self-Portraits
梵高自画像

The Courtauld Gallery 3 February –8 May 2022   The first ever exhibition devoted to Vincent van Gogh’s self-portraits across his entire career will take place at The Courtauld Gallery from 3 February – 8 May 2022. Van Gogh Self-Portraits takes as its springboard Van Gogh’s iconic Self-Portrait with Bandaged Ear, one of the most

Can Graphic Design Save Your Life?
平面設計可以拯救你的生命嗎?

The first major exhibition exploring the relationship between graphic design and health opens at Wellcome Collection in September 2017. Comprising some 200 objects including hardhitting posters, flashing pharmacy signs, and digital teaching aids, Can Graphic Design Save Your Life? considers the role of graphic design in constructing and communicating healthcare messages around the world and

Andreas Gursky
安德烈亞斯·古爾斯基

The Hayward Gallery stages the first major retrospective in a UK institution of the work of acclaimed German photographer Andreas Gursky (Germany, 1955). Widely regarded as one of the most significant photographers of our time, Gursky is known for his large-scale, often spectacular pictures that portray emblematic sites and scenes of the global economy and

Souk, Derivatives, Simulation: The World Created in Art
市場,衍生,擬像:藝術所建構的世界

  Text and Images by 撰文 x U. Kanad Chakrabarti 尤.卡納德·查克拉巴蒂 Translated by 翻譯 x Jay, Chun-Chieh Lai 賴駿杰 Michelle Yu 余小悅   My studio is a place of clashes: imperfection and chaos in close proximity to the comparatively ethereal praxis that is digital video-editing.  The resistance of physical materials gives rise to surprises, accidents,

Youth
那些年的青春,那些年的《芳華》

Trinity to Release Feng Xiaogang’s Youth in UK Cinemas Day-and-Date with China 馮小剛新片《芳華》英國院線同步上映 Youth, the latest work from the award-winning Feng Xiaogang, one of China’s most popular and internationally acclaimed directors, has recently been the most talked about film in China following the pulling of its original September release date, allegedly due to its sensitive

Monochrome: Painting in Black and White
單色:黑白繪畫

Kazimir Malevich Black Square, 1929 Oil on canvas, 80 x 80 cm © The State Tretyakov Gallery, Moscow

This autumn, the National Gallery presents a journey through a world of shadow and light: Monochrome: Painting in Black and White. With more than fifty painted objects created over 700 years, it is a radical new look at what happens when artists cast aside the colour spectrum and focus on the visual power of black,

Interview with Jia Zhang-ke, founder of PYIFF
專訪平遙國際電影展創始人賈樟柯

Image Courtesy of 圖片提供 x PYIFF 平遙國際電影展 Translated by 翻譯 x Nicholas Anderson 尼古拉斯•安德森 Edited by 編輯 x Michelle Yu 余小悦   Jia Zhang-ke is one of the most critically acclaimed filmmakers working in China. He is both an award-winning auteur film director and producers. His films have received critical praise and have been recognized

Interview with Marco Müller Artistic Director of PYIFF
專訪平遙國際電影展藝術總監馬可·穆勒

Image Courtesy of 圖片提供 x PYIFF 平遙國際電影展 Translated by 翻譯 x Hao Zhizi 郝智梓 Edited by 編輯 x Michelle Yu 余小悦   Marco Müller is a film critic, award-winning film producer, and former director of prestigious Rotterdam, Locarno, Venice and Rome film Festivals. Renowned for injecting new life into festival, Müller is also one of

South Asia Art and Culture Programme
南亞藝術文化項目

This September Manchester’s cultural institutions welcome leading South Asian and British artists of South Asian descent in a celebration of shared heritage and historic connections through a series of exhibitions and performances across the city. Marking the 70th anniversary of the creation of India, Pakistan and later Bangladesh, eight exhibitions present both new and seminal

Visual Arts at the Natural History Museum
自然歷史博物館中的視覺藝術

Recently, the immersive theatre has become popular in mainland China, with some British immersive theatre companies, such as ‘PunchDrunk’ and ‘Les Enfants Terribles’, bringing their shows to Shanghai. Other companies have emerged within British theatre culture from different industries, such as Visual Reality, Augment Reality and drama education projects being accepted by many mainland Chinese

Zhang Ding: Enter the Dragon
張鼎: 龍爭虎鬥

  EDITED BY  編輯 x QIWEN KE 柯淇雯 TRANSLATED BY 翻譯 x NICHOLAS ANDERSON 尼古拉斯·安德森   K11 Art Foundation (KAF) and Institute of Contemporary Arts (ICA) jointly presented the first solo UK institutional exhibition of Chinese artist Zhang Ding, entitled Enter the Dragon. The exhibition consisted of an installation that directly references the final scene from

Unstable Media: A Conversation with Art Curator Hannah Redler
不安份的媒體:對話藝術策展人漢娜·瑞德勒

Interviewed and text by 採訪及撰文 x Nils Jean 尼爾斯·吉恩 Translated by 翻譯 x Cai Sudong 蔡蘇東   Hannah Redler is a curator of cross-disciplinary projects between art, photography, science and technology. Prior to her current role as associate art curator for the Open Data Institute, Hannah was Head of Science Museum Arts Programme from 2005-2014.

20th Anniversary of Zabludowicz Collection: Interview with Elizabeth Neilson
薩布多維奇典藏二十年:專訪伊麗莎白·尼爾森

Edited by 編輯 x Ke Qiwen 柯淇雯 Translated by 翻譯 x Cai Sudong 蔡蘇東   The Zabludowicz Collection, founded in 1994 by Poju and Anita Zabludowicz, is dedicated to fostering new audiences and a sustainable environment for contemporary art. The Collection contains over 3,000 works of art by more than 500 artists, spanning four decades

Graffiti with Sound and Light: Interview with Mark Lyken
專訪馬克·萊肯

INTERVIEW BY 採訪 X HARRY LIU 劉競晨 TRANSLATED BY 翻譯 X CAI SUDONG 蔡蘇東 IMAGES COURTESY OF 圖片提供 X SONICA 聲音藝術節   Mark Lyken is an artist, filmmaker and composer based in rural Dumfries & Galloway in Scotland. Utilizing his gifts as a musician as well as a painter, he now creates observational film, music,

Sculpting Sound: Interview with Herman Kolgen
雕塑聲音:專訪赫曼·科肯

INTERVIEW BY 採訪 X HARRY LIU 劉競晨 TRANSLATED BY 翻譯 X CAI SUDONG 蔡蘇東 IMAGES COURTESY OF 圖片提供 X SONICA 聲音藝術節   Herman Kolgen is an acclaimed multidisciplinary artist with more than two decades of experience on the international media arts scene. As an audiokinetic sculptor, he draws his inspiration from the intimate relationship between

Interview with Omar Kholeif on Electronic Superhighway (2016-1966)
奧馬爾•克萊夫訪談:《電子超級高速公路2016-1966》

INTERVIEWED AND TEXT BY 採訪及撰文 X NILS JEAN,SOPHIE GUO 郭笑菲 TRANSLATED BY 翻譯 x JOSHUA GONG 龔之允 HARRY LIU 劉競晨 IMAGES COURTESY OF X WHITECHAPEL GALLERY 白教堂畫廊     Electronic Superhighway (2016-1966) at the Whitechapel Gallery is a recap of the history of Internet art from 1966 to the present day. The show brings together

Emma Hart: Mamma Mia!
艾瑪哈特:媽媽咪呀

Emma Hart, who won the sixth edition of the Max Mara Art Prize for Women, brings her large-scale installation Mamma Mia! into the Whitechapel Gallery. After a six-month bespoke residency in Italy, Hart presents a family of large ceramic, jug-like luminous heads, which are cut off below the nose but reveal a mouth that projects

                   

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