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ART.ZIP

NORTH OF X : The Age of Digital / Analogue
專訪呂思斯(NORTH OF X):模擬/數字化時代

他的作品要用頂級視聽設備享受才過癮,如果有幸能看現場,你一定會發現他的執著就與這些作品一般宏大。作為著名視覺音樂節Sonica裡唯一一位華人藝術家,呂思斯的作品有著某種魔性,每一幀圖像都如壁紙般壯麗,讓人過目(耳)不忘。我們先來看看highlight: ART.ZIP:《模擬/數字化時代(The Age of Digital / Analogue)》是一個結合聲音與影像的一個現場表演,你能給我們簡述一下這個課題嗎? LSS: 這是一場50分鐘的現場表演,整個作品以音樂形式作為載體,通過13首不同主題的音樂配合不同主題的視覺影像來創造一個空間體驗。這個課題圍繞著現代社會的數字模擬體現而展開,通過新舊媒體的結合與切換來表達兩者間的衝突,在視覺上呈現了許多自然與工業的元素,我想這是跟我從小成長起來的環境有關係。我在內蒙古長大,父親在工廠工作,所以成長環境脫離不了同時對草原和對機械的喜歡,與此同時,我也看著環境一步一步地發生變化,因此我經常會思考工業與自然之間的微妙關係。後來我到了英國格拉斯哥大學學習視覺傳達設計。蘇格蘭俱有悠久的工業發展歷史,所以工業革命的歷史痕跡在城市裡隨處可見。自然而然地,我便想要深入研究這個關於工業與自然關係的課題,從而嘗試一些有趣的創作。很幸運地,我遇到了一位很好的導師,他鼓勵我去嘗試各種形式的創作,聲音、動畫、以及各類影像技術等,我都是在那時候自己開始嘗試結合的。 2011年我到了倫敦,參加了Sky Academy的全國比賽,幸運地獲得了三萬鎊的獎學金,同時也獲得了英格蘭藝術委員會Arts Council和眾籌項目Kickstarter的資金支持,然後我與幾個好朋友組成的小型團隊就花了兩年多將近三年的時間走遍了英國各地,拍攝了很多不同時期以及不同類型的工廠與機械,新的和舊的都有,從中看到了各式各樣的產業,還有走進了許多擁有英國本土自然地貌比較有代表的地方採景以及錄音。拍攝完以後我再嘗試把自然和工業兩者結合起來,通過採集來的機器的聲音,重新編輯來體現他們各自的“性格”,最後以音樂和視頻的形式來體現一個國家的工業發展和自然環境的關係。我希望用這樣的新語言讓年輕人去嘗試接觸這些過去的歷史文化,因為這些機器真的很酷。做這個課題的過程當中我有過很多掙扎和思考,之前預想好的計劃被自己不停地推翻了,作了許多自我挑戰和批評,所以對自己來說這也是一個很好的探索過程,而每一次演出都有新的變化,都是為了完善這個作品而作出新的互動和挑戰。 ART.ZIP: 你所用的語言在形式上很“抓人眼球”,但在形式背後,你的出發點是什麼? LSS:在現在這個信息過度的時代,留給一個作品的機會很有限,所以我在形式上希望能容易被觀眾接受,用年輕人的語言和用流行文化的表達手法來帶出我的研究課題。紀錄不是我最後想要呈現的形式,當然在拍攝這些工廠和自然的過程中我們遇到了很多有趣的事,所以除了演出以外還會發展幕後的製作花絮。譬如我和拍攝團隊在蘇格蘭深山裡拍攝了五天五夜,參天大樹很多,但是只碰上了兩只青蛙和一隻鹿。其實在200多年前的工業革命時期,人們把山裡的樹都砍光用於製造鋼鐵,生態系統自然就被破壞了。多年後人們開始注意到環境問題才重新開始種植樹木,現在那些重新種植的樹木也已經長成了參天大樹,山裡人跡罕至,動物也不多,這樣幽深的環境背後的故事是工業革命帶來的後果,毀滅再恢復。我們這一代年輕人可能感覺工業革命離我們太遙遠了,但當這些真實的證據就展現在我們面前的時候,我們都被震撼了,這些親身體驗比看紀錄片來得震撼得多。可是環境問題不是我們口頭說說就可以的,人類要生存,但同時也要考慮到環境的問題。在我看來,我們需要做的是給兩者提供一個平衡,保護環境,發展工業,同時也要發展新科技來協調環保問題,從而達到一個平衡的循環。 ART.ZIP: 你對自己的定位是什麼? LSS:我覺得我是一個以設計師思維邏輯來表達想法的創作者。我做的作品涵蓋了很多視覺和聽覺和現場體驗的元素,我只是運用科技手段來更無縫地整合我的想法,來進行一個概念表達。可是我的理念有時候又很設計師思維,雖然我不會拿一個“客戶”的簡報來發展創意,我喜歡由自己主動去表達想法。我通常會提前對課題進行大量的研究,然後再在這個基礎上找到自己感興趣的點去發展。 ART.ZIP: 你是怎麼看待數字藝術的? LSS:對我來說,數字藝術更類似於這個時代的當代藝術形式,它代表了一種獨一無二的態度。最初大家在嘗試數字藝術的時候也許因為形式很新穎,很酷炫,但隨著科技的發展,當初的“新”已經不“新”了,作品的內涵才是最重要的。所以我開始慢慢弱化數字藝術的概念。比如說,我的作品是建立在受到很大電影影像的基礎上的,並且我融入很多數字藝術的部分,嘗試各種大膽的失真與破壞效果,可是當我看完第一場演出彩排錄像的時候,我開始懷疑自己是不是只是為了追求形式才而相對的忽略了本身內容傳達的重要性了。我減去了很多並不是非常服務於內容的效果,因為有些時候它的故意炫技其實抹去了內容本身。儘管如此,作品的演出效果還是能感受到很多數字藝術的部分。我覺得數字藝術是很好的表現形式,但內容本身才是決定作品好壞的關鍵。 ART.ZIP: 演出的時候遇上過技術問題嗎?你怎麼看待這樣技術故障和藝術形式之間的矛盾? LSS:技術故障不是第一次了,我認為也不是不專業的表現。現場演出更像是我在操作一台多元的機器,我叫她“巨陣”,它是由很多不同媒體鏈接起來的,電腦,各類控制器,以及數字化的效果器或是幾十年前的模擬視覺/聲音模塊等等,把這些不同的技術同時應用在我創建的機器上會出現很多意想不到的結果,意外也難以避免,這更像是一個機器磨合的過程,也是演出本身的一部分。我的素材都是按照電影的流程來要求的,400多條電影片段,需要在真實時間同步呈現2k的質量,同時還需要聲音的同步以及不同合成器和模塊的配合,這對硬件和軟件來說都是一個很大的挑戰,所以當我編輯好程序搭建完這個平台後,我不知道現場會有怎樣意想不到的效果,對我來說那是一個挑戰。我喜歡作品與觀眾的互動,每一次現場都會有不一樣的效果,因為觀眾在台下的反饋可以與表演產生更有趣的互動,而且在現場的不可預知性可以讓我對自己的作品作出不一樣的理解。我需要這個交流的過程, 我希望通過現場的觀眾的互動去刺激這個作品而去改進,這種開放性是我期待看到的。 ART.ZIP: 有一些反饋說你的作品效果很酷炫,缺少藝術性,看起來有點商業化。你怎麼看待這種評價? LSS:我覺得有不同的聲音是一定的。不可否認我的作品所呈現出來的效果對有些人來說是“酷炫”的,但我並沒有感覺這有什麼不好,這不像是在拍紀錄片需要嚴肅認真地呈現真實的過去,對我來說這是個人主觀的的創作,自己先爽肯定是排第一位的,當然我也很希望大家看過聽過後都有同樣的感受。我相信未來會有更多的發展延伸,這個課題還會持續進行的。幸運的是這個課題容量很大,而且我真的對這個課題很喜歡,我一直認為要打動別人的前提是先要打動自己。 Find out more:  呂思斯是一位來自內蒙古的新生代藝術家,現旅居倫敦。他的作品通常是以現場表演、動態影像、電影、作曲、設計和裝置相結合的形式呈現。其代表作為《模擬/數字化時代(The Age of Digital / Analogue)》,藝術家著眼於英國的文化遺產,串連起過去與現在,創造出一段工業和自然交織的視聽之旅。 呂思斯的天賦得到了天空藝術學院(Sky Academy)和紐約創意文化節(New York Festival)的肯定,身為第二屆三萬英鎊藝術創作基金得主的他,於2014年被英國王儲查爾斯王子以及康沃爾夫人卡蜜拉接見。 此外,他也多次受邀為捷豹路虎汽車品牌(Jaguar Land Rover)、英國廣播公司(BBC)、天空艺术(Sky Arts)創作,同時擔任王海震品牌的倫敦和上海時裝秀的創意總監和音乐制作人。“NORTH OF X”是他的舞台別名,同時他也是樂隊“Forest Rising”和“M_d_P_h_N/魔登破壞念”的創意總監和重要成員之一。 LU-SISI.COM NORTHOFX.COM The team Director and sound

Anselm Kiefer|Walhalla
安塞姆·基弗|英靈神殿

White Cube London Bermondsey presents an exhibition by Anselm Kiefer featuring new, large-scale installation, sculpture and painting. Titled ‘Walhalla’, the exhibition refers to the mythical place in Norse mythology, a paradise for those slain in battle, as well as to the Walhalla neo-classical monument, built by Ludwig I King of Bavaria in 1842 to honour heroic figures in German history.

rAndom International
专访蘭登國際

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Beyond Caravaggio

12 October 2016 – 15 January 2017 Sainsbury Wing, National Gallery   Beyond Caravaggio is the first major exhibition in the UK to explore the work of Caravaggio and his influence on the art of his contemporaries and followers. Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571–1610) is one of the most revolutionary figures in art. His strikingly original, emotionally

Intrigue: James Ensor by Luc Tuymans

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Frieze London and Masters 2016

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V&A in China
維多利亞與阿爾伯特博物館在中國

Interview with Tim Reeve, Deputy Director of the V&A 專訪V&A副館長蒂姆·里夫 . Interviewed and text by x 採訪及撰文 Li Bowen 李博文 Edited by x 編輯 Michelle Yu 余小悅 Nicolas Anderson 尼古拉斯·安德森 . China Merchants Shekou Holdings (CMSK), in association with founding partner the Victoria and Albert Museum (V&A), has announced the brand—DESIGN SOCIETY 「设计互联」— a new cultural

Bedlam: the asylum and beyond
伯利恆:不只是瘋人院

Wellcome Collection 15 September 2016 – 15 January 2017 The outside is a perfect mockery to the inside.  —Thomas Brown, Amusements Serious and Comical (1700) The world is but a great Bedlam, where those that are more mad, lock up those who are less —Thomas Tryon (1689) Our mental health has many dimensions: medical, psychological, social,

Thomson & Craighead: Timescales and Poetry Machines
湯姆森與克雷格黑德:時間向度與詩歌機器

Interviewed and Text by 採訪及撰文x Nils Jean 尼爾斯•吉恩 Translated by 翻譯 x Michelle Yu 余小悅 Jay Chun-Chieh Lai 賴駿杰 Images Courtesy of 圖片提供 x Carroll/Fletcher Gallery 卡洛爾/弗萊徹畫廊 Photographed BY 攝影 x Syndi Huang 黃煥欣 Jon Thomson and Alison Craighead work across video, sound, sculpture, installation and online space, using technology as a means to reformulate

You Say You Want a Revolution? Records and Rebels 1966 – 70
你說你想要一場革命?1966-1970年的唱片與反叛

This major exhibition from the V&A explores the era-defining significance and impact
 of the late 1960s upon life today. From global civil rights, multiculturalism, environmentalism, consumerism, computing, communality to neoliberalist politics, the world we live in has been vitally influenced by five revolutionary years 1966 – 70. You Say You Want a Revolution? Records and

Vinyl Factory: Hub of Creative Collaboration
黑膠創意夢工場

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Coriolanus and Du Liniang
寇流蘭與杜麗娘

. William Shakespeare-Tang Xianzu 400 Year Commemoration 2015 was an important year for UK-China relations as it saw the launch of the first UK-China Year of Cultural Exchange. It provided an opportunity to strengthen existing relationships and build new links between individuals and organisations in the arts and creative industries as well as between governments.

GEM SCOUT
新銳華人珠寶設計師聯展

GEM SCOUT 新銳華人珠寶設計師聯展 23 September – 3 October 2015 China Design Centre, 26 Store Street, London WC1E 7BT UK China Art and Design Association (UCADA) presents GEM SCOUT – a showcase of emerging jewellery designers – at China Design Centre, in the heart of Bloomsbury, London from 23rd September to 3rd October 2015. UCADA embraces 7 of

Essential Experiments: Zhang Peili—On the Possibility of Alternative Readings
必要的實驗:張培力——探討另一種閱讀的可能性

TEXT BY 撰文 x XUHUA ZHAN 湛旭華 EDITED AND TRANSLATED BY 編譯 x CHRIS BERRY 裴開瑞 XUHUA ZHAN 湛旭華 1988年,黃山現代藝術討論會上,藝術家張培力帶來了一件作品《30X30》,按藝術家的設想:觀眾將被關在反鎖的房間裡三小時不停歇地觀看他的新作——以家用攝影機拍攝的180分鐘錄像裡重復播放一雙帶手套的手不斷地摔碎一塊鏡子,然後粘合,再摔碎的過程。但放映不足10分鐘後,影片就被焦躁的觀眾打斷了。這件以固定機位拍攝,無後期配音和剪接的作品成為最早的一件中國當代移動影像作品和中國當代藝術史上一個被不斷討論長久的話題。 張培力無法被簡單地歸類為一個“錄像”或“新媒體”藝術家。也許,因為其獨有的警覺的思維方式正體現在不斷挑戰各種先驗觀念的工作方式上,他甚至不願被定格於中國人的身份或被地緣政治化概念解讀。如果抽離他作品中“國產”的那些元素——它們只是在他的世界能順手拈來的創作“物質”而已。正如沒有誰會為一塊油畫布打上東西方標簽之分。 張培力一直強調他的工作‘從來不制定任何原則,只是一些具體事實”甚至“實驗”這類詞都讓他感到不自在:“有原則的實驗並不是實驗,放棄的實驗也許是實驗”(見黃專文)。剝離中國化特定語境的解讀,可以看到藝術家自己對事物的態度是客觀自然的,他的作品體現了他的哲學思想與邏輯:對教條主義、主流認知等各種先驗觀念提出的簡潔理性卻鋒利的詰問並以藝術反復驗證,同時展開另一種閱讀的可能性。 拍攝、電影素材和影像對張培力而言是一種“創作元素”,2015年5月英國電影協會(BFI)將以《必要的實驗:張培力》集中回顧張培力的移動影像創作。這次展覽分三部分:80-90年代以錄像制作體現無聊和控制美學的:《30X30》、《(衛)字3號》 ,《水-辭海標準版》;2000後以“影像蒙太奇修正”手法,用50-70年代老電影素材創造“不同的閱讀可能性”:《臺詞》、《遺言》、和《喜悅》;還有用“場景性”實驗剖析影像的虛擬和真實之間邏輯關系的影像裝置作品《5月7日-5月27日》。 借著這次BFI的展覽,我們邀請了藝術家談談他的創作。   您早期學習油畫,後來轉到錄像藝術。是什麽驅動了這個創作上的改變? 藝術家使用的媒介手段一直在改變中:最早中國只用水墨,後來西方傳來油畫和版畫,後來有攝影,這都有別於中國的傳統藝術媒介。80年代之前學油畫時,我們還不知道錄像藝術,原來藝術的可能性比我們了解的多得多。等有了技術和物質條件,為創作提供了刺激,驅動了新的嘗試。用什麽手法創作跟個人態度有關:有些藝術家對媒介態度較穩定,我可能不太安分——對於自己已經習慣、太熟悉的事缺乏興奮,當有新的可能性總想去嘗試。簡單說是外部條件和內在條件決定。   在七八十年代,當時的信息不是很開放,但也有一些資料能通過各種渠道了解。當時有哪些電影作品和藝術家對中國第一代新媒體藝術家影響比較大的? 實際是我們當時受到的影響是多方面的,不僅是錄像藝術(Video Art)。80年代早期我們已知道國外藝術家用錄像創作,但當時我們只看到一些文獻和模糊圖片,如白南準和布鲁斯·諾曼(Bruce Nauman),但沒看過作品。當時的影響更多來自哲學,文學,電影,戲劇,藝術理論。 這跟早期西方油畫傳到中國不一樣,西方人企圖讓油畫能融入到中國的欣賞習慣中。影院當時能看到一些不錯的電影,如娜塔莎·金斯基(Nastassja Kinski)主演的《德克薩斯州的巴黎(Paris,Texas)》。當時我驚訝於這部電影沒有很炫的情景、動作和拍攝手段,卻有很多長鏡頭,前所未見。但觀眾覺得片子很悶,最後影院只剩下我。除了電視臺和影院公映的,更多在錄像廳看到如《美國往事(Once Upon a Time in America)》和《教父(The Godfather)》等影片。看到英格瑪·伯格曼(Ingmar Bergman)的電影比較晚,但那是讓我最激動的; 還有《鐵皮鼓(The Tin Drum)》、我看了很激動,看了好幾遍。 再後來大家常交互錄像帶看如《8½》、《巴黎最後的探戈(Last Tango in Paris)》和《放大(Blow-Up)》等。   您使用錄像制作,使用電影片段,到後來用錄像裝置。在使用這些不同的新媒體創作元素中您最關注什麽? 我最關注的是新的可能性——新的語言的可能,在創作中語言的重復——重復自己或別人都是很可怕。藝術中的喜新厭舊是很重要的態度。所有的藝術史上鬧出來的一些事/藝術上的革命最基本的都是喜新厭舊,不滿足。 您的作品如《喜悅》、《遺言》在國外放映不加字幕,講講您的想法? 對於我來說,我希望觀眾關注的是我做作品的基本動機和態度,而不是使用的電影片段裡的臺詞,字幕加在裡面是畫蛇添足。而且這個作品創作時本來就沒有考慮對白的。對電影來說角色說什麽對電影陳述什麽故事是重要的,但對於我來說,對白臺詞不重要。有沒有臺詞不是區分錄像藝術和電影的絕對的標準,不是用於區別電影和錄像藝術,對某些藝術家的作品來說:對白臺詞是重要的;但對我的這些作品來說,對白臺詞不重要,我並不是用不加字幕來區別這是藝術而不是電影。針對作品而言,加字幕是多余的。 能談談您的新作或是未來的創作計劃嗎?

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Breathing Colours Greek artist Harikleia Papapostolou at Belgravia Gallery May 12-16 2015 Belgravia Gallery, 23 Maddox Street, W1S 2QN   In a captivating London debut, Athens-based Harikleia Papapostolou is bringing to the Belgravia Gallery in the West End her confidently executed, abstract oil paintings which in an enthralling manner play with opalescent colour. Her structures celebrate the

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Constructing Worlds: Photography and Architecture in the Modern Age Barbican Art Gallery, Barbican Centre, UK 25 September 2014 – 11 January 2015 This exhibition is part of the Barbican’s Constructing Worlds Season  Supported by: The Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts, Embassy of the Kingdom of the Netherlands and part of the SA-UK Seasons 2014 &

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