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Special

Francis Alÿs: Ricochets

“Even a minor event in the life of a child is an event of that child’s world and thus a world event.” –Gaston Bachelard   When Phillipe Aries wrote ‘Centuries of Childhood: A Social History of Family Life’(1960) it developed a notion that the concept of childhood was a modern development dating as late as

Tavares Strachan: There is Light Somewhere

18 Jun –⁠ 1 Sep 2024 Hayward Gallery, London They were all assembled there. Not purely a history but an assembly of the dead with a sense of voices being released. Voices from the deep. What the exhibition presents is the possibility of releasing these voices in a rich tapestry of becoming. We can see

Pass Through: Expressionists at Tate Modern

A gallery is designed to pass through as if it might stand in for the imaginary staging of historical passage. They are invariably crowded places, so passage is often interrupted or straited rather than smooth and continuous. If it is sculpture, there is a circulation around it, as if to steal a better view or

YOKO ONO: Music of the Mind

15 February – 1 September 2024 Tate Modern, London The exhibition works on the edges of several divides. Firstly, the exhibition might be read as a divide between the counterculture and the mainstream art world, and within this a divide between analytical conceptual art with all its schematic categories and a more amorphous, poetic mode

UNZIP PROJECT|UNZIP the art, SPARK the part
2024北京當代藝術博覽會

ART.ZIP | UNZIP PROJECT | UNZIP the art, SPARK the part 北京當代藝術博覽會 A1展位 2024年5月23日至5月26日   由ART.ZIP策劃的UNZIP PROJECT將於2024年5月23日至26日在北京當代藝術博覽會上首次亮相。 ART.ZIP作為一家總部位於倫敦的中英雙語藝術媒體,首次以機構身份參與北京當代藝術博覽會,實現了從線上到線下、從文字到作品、從報導到展示的轉變,並將視角從倫敦延伸到北京。自2012年成立以來,ART.ZIP一直致力於將西方的藝術資訊匯集並精煉傳遞。其名字中的「ZIP」不僅象徵著拉鍊連接中英兩地的文化,也暗喻壓縮文件格式,有效地向讀者傳遞當下最前沿的美學思考。十二年後的今天,在越加快捷的信息交流與傳播背景下,ART.ZIP以「UNZIP」解壓縮的理念,將多年積累的豐富資訊、美學觀念和創意實踐轉化為一次觀眾可直接參與的實體展覽體驗,讓中英兩地藝術家的精彩作品與中國的當代語境產生深度互動,從而為藝術家與公眾之間的深入對話搭建全新的溝通橋樑。 北京當代藝術博覽會是根植於中國本土性的藝術交易平台,為那些與中國當代語境相關的藝術家提供了一個獨樹一幟的呈現機會。由於博覽會的組織模式,游离于画廊生态以外的獨立藝術家難以直接參與。此次博覽會上,ART.ZIP以機構身份將這些獨立藝術家的作品引入更廣闊的藝術市場,開啟了獨立藝術家、藝術機構與藝術市場間嶄新的互動和合作可能性。 此次項目共有九位藝術家參與,包括陳澈、姜培源、姜嘯然、劉金城、孫毅、余曉、朱田、Fion Gunn和Jonathan Miles。這些來自中國的藝術家均畢業於英國藝術院校,並持續在多種媒介中探索其藝術實踐,而Fion Gunn和Jonathan Miles則與中國藝術有著緊密的合作關係,對推動中英藝術有著深遠的影響。劉金城、姜嘯然和姜培源以超群的繪畫技藝,通過超寫實的形式來傳達抽象的情感與哲學思考;陳澈則將具象的自然景觀放大轉化為抽象表現,創造了一個又一個充滿想象力的「新世界」;孫毅的作品結合了中國傳統美學和哲學,用西方當代的表現手法對當下的社會和現象表達自己的態度;余曉通過對繪畫新觀念「腹地」的探索,將畫布「身體」化,使得繪畫超越物質性本身,試圖將脆弱的體驗轉化為具有啓發性的美學對話;朱田的創作跨越多種媒介,關注當今社會中機器人般的自動化常規,以幽默和尖銳批評探討權力關係與自由,創造了她所說的「打嗝」作品,旨在打斷和擾亂社會常態;Fion Gunn通過多樣的藝術手法和虛擬現實作品探索和理解人類極端經驗,探討個體與全球社會生活經驗的意義,同時致力於通過藝術交流激發深刻的人文關懷和新的開始;Jonathan Miles的藝術實踐結合了繪畫、文字和行為表演,深入探索時間、記憶以及真實與虛構之間的關係。 陳澈,2005年畢業於英國倫敦藝術大學切爾西藝術設計學院,獲得純藝術碩士學位(繪畫專業)。陳澈的作品充滿了獨特的想像力和視覺衝擊力,常常呈現出泡狀、管狀、條形和柱體的矩陣,這些元素相互咬合、滲透,如同顯微鏡下放大的細胞體,或是通過射電望遠鏡捕捉到的遙遠宇宙景象。這些畫面仿佛在熱帶雨林、水下奇觀、動物的皮毛和河流的走向中穿梭,帶給觀眾無限的遐想。陳澈通過筆刷、噴槍、滾筒和顏料的運用,直覺地在畫布上構建出與我們自身和周遭世界的深刻關聯。他的創作過程如同與「空白恐懼」的搏擊,將感覺與認知一次次地視覺化,最終成為心智向外投射的巨大象徵。 姜培源,2008年畢業於英國倫敦藝術大學切爾西藝術設計學院,獲得純藝術碩士學位(繪畫專業)。稀疏襤褸的布料,褶子及細密的針腳所形成的摩爾紋都展現出超寫實的特點,材料一直是姜培源的創作路徑,也是他長久的思考所得出的結論。他的實踐強調了繪畫材料的物質性以及圖像生產的過程、方法和姿勢。在近期的實踐中,TPS系列是透明顏料皮(Transparent Paint Skin)的縮寫,藝術家通過在畫布上對預製透明顏料膜再拼貼的技巧,解構了「繪畫」同時作為名詞的顏料表面和作為動詞的生產過程,瓦解並重建了顏料圖層和支撐物的關係結構,進而簇生了全新的視覺體驗和延展了繪畫的概念範疇。 姜嘯然,自幼學畫習字,在南開大學東方藝術系經過本科研究生六年的學習,隨後畢業於英國倫敦藝術大學切爾西藝術學院,於2009年獲得純藝術碩士學位。姜嘯然結合生活經歷,融合對中國書法與繪畫的研習以及對⻄方藝術發展脈絡的理解,創作出了《煙》系列作品,透過具象的圖像來表達抽象情感。《煙》源於對命運這一概念的探索:命運始於某點,卻通向未知的彼岸。我們的生活充滿了不確定性,我們身處命運的旅途之中,同時也融合了多重旅程的軌跡。因其抽象形態的和不可預測的變幻,姜嘯然选择以煙霧來表達這一觀念,彷彿映照了命運的多樣性,以及我們交織在其中的旅程。 畫面只有簡單的黑白,將人們的注意力引向煙霧的形狀,而非色彩本身。而絹這種敏感而脆弱的材料,正如人類一樣脆弱,但在命運的面前,我們依然需要堅韌不拔。 劉金城,1989年畢業於英國斯萊德藝術學院,獲得純藝術碩士學位(繪畫專業)。他的《假真》系列作品通過超寫實的創作手法來表達對當下世界和社會的看法和認知:這些栩栩如生、擁有惟妙惟肖細節的畫作,常被觀者誤認為是一張折揉的紙張或是攝影作品的印刷圖像,實則是藉由複雜的油畫技巧創作而成。這種似是而非的呈現效果表達了劉金城對「真實與虛構」、「表象與本質」之間的探討。在現實世界裡,各種假象被當作真實接受,並被深信為生活的全部,這現象成為一種永恆的隱喻,或許是唯一確認的「真理」。 孫毅,自幼學習中國傳統繪畫和書法,隨後畢業於倫敦斯萊德藝術學院,於2015年獲得純藝術碩士學位。在英國進行美學與哲學探尋的路上,他發現西方哲學家認為的「藝術應該從概念中分開,從關心和目的中分開,使之達到理想的『目的性無目的』」恰好和中國藝術哲學追求的自由狀態也是相符的。「有用與無用」、「消逝與永恆」、「進與退 」是孫毅經常探討的話題。引用藝術家的話來說,「到目前為止,做藝術的經驗告訴我——這如同每日喝水一樣,沒什麼味道,但是又缺少不得。不論做了什麼作品,有了什麼樣的草稿,平淡下來後興奮也就沒了,時間久了可能也就忘了……中國文化的精髓,其中一個便是『無』,『無』即是『有』,『有』便是『道』,『道』是不可說。所以,觀念上來說,我在努力讓我的工作和作品成為『無』。因為總覺得可能做與不做都沒有什麼實際的意義,個人的抒懷而已。」 余曉,2010年畢業於英國倫敦藝術大學中央聖馬丁藝術學院,獲得純藝術碩士學位,現為英國皇家藝術學院藝術實踐類在讀博⼠。余曉的繪畫創作基於「腹地」這一新概念。在她的作品中,「腹地」指代那些通常被隱藏、未被察覺或被忽視的部分,比如畫作的背面、底部或畫框。她將這些被忽視的要素揭露並展示在觀者的視線之中,從而挑戰了繪畫傳統的定義。通過暴露繪畫的內部結構,她揭示了所使用的材料和技術,同時強調了繪畫表面的身體性。在經歷了一系列操作,如描畫、繪制、撕扯、翻轉和折疊之後,她的作品既呈現出混合了各種輪廓和幾何圖案的抽象繪畫,又具有雕塑般的形態。余曉的創作驅動力來自於對創傷的理解、對抑鬱的抗爭以及對未知的好奇。她追求的不僅是繪制抽象圖景,而是在直覺和明確目的之間尋找平衡。 朱田,2014年畢業於英國皇家藝術學院雕塑系,獲得純藝術碩士學位。《錢》是朱田於2015年4月1日啓動的終身行為項目。在她看來,「錢」是一個和我們的生活如此息息相關,但又人人避而不談的話題。在不同的文化中,談論「錢」都被不約而同地視為一種禁忌。它因此成為房間里的大象,甚至比「性」更私密、更讓人無法公開討論。她決定挑釁這個世俗的「規矩」:每月公佈自己所有存款的金額數,任何人都可以向她索取她當月的銀行帳單,看到她的各項支出和收入,以此來公開展示「錢」和一個藝術家的發展、作品之間可能存在的關係。2020年,隨著藝術家父親的突然去世,她感受到「錢」在她生活里已经不再是構成重大影響的因素之一,於是決定終止該項目。 在此次UNZIP PROJECT項目中,朱田特別定製了一種全新的展示方式來正式宣告《錢》的終結。在藝術博覽會這樣一個商業氛圍濃厚的環境下,她通過將之前每月公開的金額以壁紙的形式展出,這些數字不僅轉化成了博覽會中的視覺景觀,而且成為了展覽上其他藝術作品的背景。此外,她的另一件定製作品《劈開我》首次採用金屬掛簾形式與《錢》並置展出,巧妙地探討了金錢與藝術之間的對立與並存。 Fion Gunn,愛爾蘭藝術家及策展人,畢業於法國南錫國立高等藝術學院 ,現居倫敦。《橋的記憶》系列描繪的是藝術家從小在家族古董店成長起來的記憶片段,她總是想起那些清代文人雕像與來自中國的微型象牙船隊,想像著一生的旅程與冒險。Fion Gunn巧妙地把記憶與幻想結合在一起,構想了一系列從未發生的旅程,這些旅程中不存在爭吵、暈車、不合口的食物等等。相反,她想象的是一種理想化的旅行,其中她順利抵達目的地,在夕陽落山前愉快地探索美麗的景色。這些作品不僅反映了她對過去的美好記憶,還體現了一種童年時期簡單而純粹的願望得到滿足的渴望。 Jonathan Miles,英國藝術家、作家、藝術教育者,畢業於英國倫敦斯萊德藝術學院,現於皇家藝術學院教授批評理論。他的藝術實踐結合了繪畫、文字和行為表演,深入探索時間、記憶以及真實與虛構之間的關係。Jonathan Miles試圖通過繪畫探索圖像重複性、序列、持續性等「計數」概念來尋找時間和虛構空間。同時,Jonathan Miles還擅長將自己創作的小說與繪畫產生關聯,他筆下的虛構人物有時在監獄中通過繪畫記錄時間,有時在故事中遇見虛構的藝術家Lily O,見證她的創作過程。他的作品不僅是時間的「印記」,更是小說人物留下的「證據」。通過這種方式,藝術家將現實與虛構交織在一起,邀請觀眾思考時間的流逝和記憶的構建。他的藝術創作不僅僅是視覺和文字的結合,更是一種對人類經驗的深刻反思和探索。    

The Joy of Connecting the West and East
連接東西的情樂

Review on “Simple Pleasures: Li Jin with Roger Law” Text by Joshua Gong Starting 4 May, 2024, the Ashmolean Museum of Oxford University will be presenting an exhibition entitled “Simple Pleasures: Li Jin with Roger Law“. This exhibition showcases the paintings of Li Jin, an artist whose works highlight the contemporary friendship between China and

The Three Legs of Drawing: A Sketch

Brugel to Rubens Great Flemish Drawings 23 March – 23 June 2024   There is a drawing by Rubens of a torso of a man with three legs (1600-1608) that is being exhibited as part of an exhibition at the Ashmolean Museum in Oxford of Flemish Drawings. Obviously, Rubens was attempting to work out the

Wallace Chan: Embrace and Exceed
擁抱與超越——專訪藝術先行者陳世英

在2023年的金秋9月,倫敦佳士得舉辦了享譽國際的珠寶藝術大師陳世英(Wallace Chan)迄今為止在歐洲最大型的個展《時間輪盤(The Wheel of Time)》。展覽的名稱富含深意,不僅回顧了陳世英過去五十年在珠寶領域取得的輝煌成果,同時也展現了藝術家當前在藝術雕塑方面的最新探索。此外,展覽特別呈現了兩位受陳世英啟發的香港年輕藝術家的影像作品,展現了藝術的傳承與創新的力量。 藝術家的大型個展往往能很好地展示其整個創作生涯的發展脈絡,陳世英的這次倫敦個展也不例外,他的「六大發明」——世英切割(Wallace Cut)、鈦金屬創作技術、翡翠切割潤光專利技術、石鑲石工藝、「真空妙有」技術、以及比鋼堅硬五倍的世英陶瓷——分別通過六個「太空艙」展櫃進行陳列,有如一個個時間膠囊,帶領觀者回顧那些讓人嘆為觀止的技術革新。展覽上的其他作品亦生動展示了這六項核心技術是如何相得益彰地创作出一件又一件令人嘖嘖稱奇的精彩佳作。   這150多件極具現代感的珠寶作品中,每一件都是技藝的極致展現,背後蘊含著大量繁複的工藝和無數小時的專注與投入。有些作品是從大自然裡汲取靈感後的再次創作,如《魚兒的悄悄話(Fish’s Whisper, 2015) 》,其外層的寶石海草包裹著內部的水晶浮雕,層次分明,栩栩如生;蝴蝶系列既有傳統的古典設計,雅緻華美,也有現代的幾何圖形設計,時尚前衛;具有超現實風格的作品,如《魚兒的夢(Fish’s Dream, 2009)》,夢幻城堡巧妙地「生」於魚腹之中,展現了天馬行空的創意;有些作品融合了中國文化與陳世英對宇宙的哲學思考,如《宇宙新生(A New Generation,2018)》。這些珍貴的寶石在陳世英的「魔法」下不僅發散著迷人的色彩與光澤,更彷彿擁有了全新的生命和靈魂,凝聚著陳世英賦予的深邃思考和美好寓意,引領人們進入一場視覺與心靈的雙重旅程。 陳世英不僅珍視每一件珠寶作品,對其展示方式也傾注了極大心思。在他看來,每一件作品都值得被好好展示,因此每件作品的展示陳世英都會細細考量,精心設計屬於那件作品的展示方式,有些用暗沈的幾何金屬雕塑展櫃來突出珠寶的流光溢彩,有些則選用未經打磨的原石來進行襯托變成獨立的雕塑作品,還有旋轉的裝置讓觀眾能在同一個展櫃看到兩件或以上的作品,不僅更好地從各個角度展現細節,增強了觀賞的趣味性和探索性,更讓寶石的色彩有了生動的展現,讓人情不自禁地駐足細賞;展示十二生肖項練系列《時間輪盤》的展櫃靈感來源於鐘錶零件,象徵著人類自古觀日影知時間,強調了人類存在與時間存在的密切關係;經典作品《悟蟬知翠(Stilled Life,2012)》——以帝王翡翠刻劃玉蟬停駐於竹葉上的胸針,陳世英為此創作了一個立體景觀模型以及一個古代三刀蟬的底座,展示了其對細節的極致追求。   命運挑戰者 陳世英自幼隨父母從內陸遷到香港,家境樸素的他自16歲起便跟隨師傅學習雕刻。他一心刻苦鑽研,憑著天賦和毅力很快就嶄露頭角,然而人生總不會一帆風順,他曾經歷良師摯友的離世,自身與疾病的搏鬥,陷入了前所未有的困境。正當命運似乎陷入僵局時,那股迎難而上的「香港精神」加上過硬的技術和藝術追求,為陳世英點亮了重生的曙光。如涅槃重生,陳世英以雕刻刀鑄就了自己的傳奇,一步步攀登至珠寶藝術的巔峰。如今,陳世英的作品以獨特的魅力和深邃的藝術內涵,贏得了國內外藏家的青睞,更多次受邀參加國際重要的藝術展會,代表作品也被頂級博物館珍藏。   勇者無畏——技術與材料創新 陳世英身上的這種韌性不僅在逆境中顯現無遺,他對技術的精進追求與對物料的深入探索也同樣令人佩服。在他的哲學裡,任何局限和挑戰都是被設定來等待突破的。早在1987年,陳世英發明的幻像雕刻技術——「世英切割(Wallace Cut)」便一鳴驚人,標誌著技術和思維的大膽革新。這種獨特的雕刻技術,通過在寶石上進行單次反向雕刻便能創造出多個立面,這與傳統雕刻法截然不同,後者往往是保留所需部分而移除多餘之物。在當時,不但缺乏精準的電腦計算輔助,而且陳世英跑遍國內外也沒有找到符合其高要求的雕刻工具。他不但沒有放棄,反而靜下心來在機械廠學習數年,最終研發出了在當時轉速最快、能滿足他對精細度極高要求的專用切割工具,這一工具在當時可謂獨一無二。然而有了理想的工具後仍需極致精準的計算與高超的雕刻技藝。為了避免工具高速旋轉產生的熱度導致寶石崩裂,陳世英日復一日地在水中進行雕刻,每切一下便將其取出吹乾,細緻檢查後再次浸入水中進行下一刀的切割。經過無數小時的訓練和實踐,陳世英最終能夠在水中連續雕刻數分鐘而無需將寶石取出水面進行檢查。在那些有如神助、幾近於神蹟的時刻,陳世英甚至在想,究竟是他的手在雕刻,還是他的指尖,他的心,抑或是他的記憶在指引著這刀刃的舞動?     陳世英無疑是一位將技術革新與匠心精神融為一體的藝術家,他的創作靈感也受到了佛學智慧的滋養。在他的藝術實踐中,雕刻不僅是技藝的展現,更彷彿是一種心靈的修行。他曾在採訪中分享自己與寶石之間的緣分:在創作過程中,他珍視與每一顆寶石的相遇,當作品完成之際,他便將這份緣分歸還於寶石,讓它繼續與有緣人相伴,而自己則踏上新的探索之旅。這種緣起緣滅的哲思使得每一段緣分都顯得格外珍貴。 陳世英發明的「真空妙有」技術,同樣根植於佛學的深邃概念——只有當心靈空明無雜,人才能容納新知與新意。通過忘卻自我,空出心靈之地,新的智慧與觀念方能發生。《真空妙有(Secret Abyss,2014)》便是這一思想的藝術體現。在這件作品中,陳世英巧妙地在一塊發晶中雕出一個6.5毫米的開口,並打磨出寬度只有42毫米的空間,神奇地置入了1111顆綠寶石。選擇發晶而非透明水晶進行創作,大大增加了作品的挑戰性——一旦發晶斷裂便無法修復,因為每一根發晶的紋理都是獨一無二的,不可再續。 陳世英對「永恆」這一主題的探索也同樣著迷。這不僅體現在他對鈦金屬的創新應用上,還包括硬度比鋼高五倍的「世英陶瓷」的發明。在陳世英看來,鈦金屬幾乎是最接近永恆的材質,它的處理難度極高,熔點高達1700度,通常用於航天領域。經過長達八年的鑽研和實驗,陳世英不僅率先成功將鈦金屬的應用引入珠寶設計,更將其帶入藝術雕塑領域,成為極少數掌握鈦金屬雕塑創作技術的藝術家。最初,陳世英使用鈦金屬進行珠寶設計時遭遇了眾多質疑,因為鈦金屬的價值無法與黃金、鉑金等傳統珠寶金屬相比,然而陳世英在材料界限上的再一次挑戰展現了鈦金屬獨特之美——其輕盈、豐富的色彩以及超常規的硬度賦予了它接近永恆的美感。陳世英的作品《In One》雖然只鑲嵌了一顆小小的紅寶石,但通過不同的加工溫度,同一塊鈦金屬上便呈現出了多種炫目的色彩變化,令人嘆為觀止,顯現了超越金屬原色的異彩紛呈。 在藝術雕塑創作方面,陳世英的《鈦坦XIII》展現了材料與空間的精妙對話。暗灰色調的懸吊雕塑看似承載著重量,卻又出人意料地透露出輕盈的姿態。經過「世英雕刻」技術而呈現的面孔似乎與觀眾形成一種視線的交匯,雕塑隨著空氣的流動和觀眾的移動而優雅轉動,彷彿觀眾在欣賞它的同時,它也輕柔轉動與觀眾「互望相視」,它們的輕盈起舞讓空間充滿了流動的節奏,像是在訴說一個沈默的故事。在無人之境,這些在半空中懸停著的雕塑群像又變得沈寂,有如古老圖騰的守望者,又如靜止的神像,靜候祈禱者的到來。雕塑上那些被拉扯的面孔,以平靜自若的表情向「無形」緩緩屈服,從上而下逐漸「溶解」,彷彿在時間的長河中,物質與精神的界限正在漸漸消融。 在近七年的時間裡,陳世英再度挑戰材料,他研發的「世英陶瓷」又一次驚艷了世界。這種新材料的硬度是鋼的五倍,密度甚至超過天然的藍寶石,色澤豐富且光彩奪目。這一創新背後的靈感源於陳世英悠遠的童年回憶。在那個物資匱乏的年代,家中的陶瓷勺子被視為大人的專屬,而孩子們只能共用一隻塑料勺。有一次,他偷偷拿起大人的陶瓷勺子,但用拿塑料的力氣去拿陶瓷必然導致勺子摔破在地,他因此受到了家人的嚴厲斥責。這段經歷深深印在他的記憶中,激發了他日後創造出一種近乎不可能破裂的陶瓷的願望。這不僅是材料上的一大突破,更是心靈上對童年遺憾的一種彌補,帶來內心的平靜和與過去的和解。在倫敦個展上,這隻傳奇的《陶瓷勺子(Shapeshifter)》在倫敦個展上得到了展示。而同時運用「世英陶瓷」和石鑲石技術的《意識方塊(Mind Puzzle)2019》成為了展覽上的亮點之一,這件作品的設計充滿了未來感,展現了成人內心深處依舊棲息著的孩童,它將記憶與意識比作不斷膨脹、分裂和擴張的方塊,展示了一個人內心世界的複雜與深邃。 築夢人與啟迪者 《時間輪盤》展現了陳世英與時間對話的深入探索,隨著「時間輪盤」的「轉動」,觀眾被引領遊走於陳世英半個世紀的精彩創作之中。在細細觀賞之後,我們不只對寶石本身天然的奇妙色彩和光芒讚嘆不已,更被陳世英的創意和精湛技術而折服。他的匠心獨運使每一顆寶石散發出獨特的光芒,而他對可變形珠寶設計的探索更彰顯了他在人體工學領域的深入見解。從絢爛多彩的珠寶到單色沈穩的鈦金屬藝術雕塑,每一件都是時間與故事的載體,見證了陳世英對生命、自然與宇宙的深刻探索。通過他的作品,我們看到了一個永不滿足於現狀、一直尋求探索的築夢人,擁抱一切,超越永恆,陳世英的藝術之旅宛如時間輪盤不斷前行,永無止境。 在此次ART.ZIP的專訪中,我們有幸近距離感受這位溫文爾雅的藝術家。鬢髮斑白的陳世英向我們耐心地分享他的故事與智慧。他常言:「當我們離開這個世界,我們本身可能沒有價值。但唯一能傳下來的就是精神和作品,這些啟發未來年輕人繼續前行的才是真正的價值。」正如他所創作的那件穿戴在肩上的《黑色傳奇(Legend of the Colour Black)》,不僅象徵著站在巨人肩膀上繼承前人的智慧,也顯示了陳世英本身已經成為那位能讓後人仰望的巨人,他讓未來的藝術家能站在他的肩上,看得更遠,思考得更深,激勵著一代又一代年輕人。   A:在您看來,東西方美學的差異表現在什麼方面? W:拿宗教藝術來說吧,東西方的差異就很明顯了。比如,東方的佛像大多是靜態的,給人一種平和的感覺。但看西方的,像耶穌或天使的雕塑,就活躍多了,總是充滿動感。西方雕塑喜歡用那種爆發的姿勢,誇張的肌肉,來強烈地展現情感和生命力,就是想通過光影和動作讓作品更有衝擊力。東方的作品就比較含蓄了,很少去強調肌肉什麼的,可能是因為雕塑常常穿著衣服。這些差別不僅僅是外在的,更反映了我們對於內在和外在表達方式的不同看法。 當這兩種文化碰撞融合,就像是誕生了第三種文化。對我而言,這就是探索生活和藝術表達的一種方式。這過程中,不只是技巧和工藝的事,更多的是內心的修行。這種修行既可以靠天賦,也可以借鑑不同文化的思想。以我自己作為例子,我對基督教、佛教、道教都很感興趣。從最初的崇拜到後來的哲學探索,我漸漸明白,要真正懂得宗教,不是學學知識那麼簡單,而是要實實在在地去修行。 就像練字一樣,要不斷練習,同時還要懂得材料的特性,例如不同材質的宣紙和毛筆,也能創造出不同的層次去表達內心的平靜或澎湃。把東方和西方的技術融合,我就是在不斷地探索和尋找這個「內在」。無論是藝術還是技術,這些都是必要的,用身體力行你才能夠穿梭自如。當第三個世界的知識越來越多,越來越充足,將所有知識融為一體,做珠寶做雕塑就做出了我自己的風格。我認為所謂的當代藝術,只要沒有做過的,你有一個概念,無論你用什麼手法都表現了當下的你所修為的結果。 A:請問您是如何看待人與作品之間的關係的? W:這其實是關於物和人之間的故事。創作出來的東西,它不只是個物體,它還能傳達信息,和人溝通。珠寶創作確實不是一件容易的事。藝術家有很多,但珠寶藝術家就比較少,這需要豐富的知識,比如寶石學、色彩學、光學、切工技術等。 我比較幸運,我是從雕刻寶石開始的。雕刻寶石可不是隨便什麼寶石都能雕,那些頂級的寶石一定要拿來做珠寶,因為它們裡面的瑕疵少,光線透過得好。一旦做了寶石刻面,那顏色和光澤就能展現得淋灕盡致。寶石如果有小瑕疵或裂紋,光線在裡面反射,有時候一個小點就能變成好幾個甚至幾十個。比如鑽石切割,那是需要超精準的角度計算然後切割出來許多切面,光進入去之後在裡面遊走互相折射,正是這些計算出來的細微角度讓它閃閃發光。因此對寶石的認知,還有切工技術都很重要。 至於設計,你得盡可能展現寶石的美。但展現這種美不僅僅是看寶石本身,還得有對工藝和材料的深刻理解。比如用黃金鉑金做珠寶骨架,這方面會更加困難,需要創新,達到一個又一個的標準。就連畫個設計圖都難,更不用說把它變成立體作品了。而當珠寶真正戴在身上,那就又是一次創作,因為你要考慮到戴它的人的感受,比如重量是否合適,會不會晃來晃去,這就是人體工程學和珠寶的對話。 還有,光和寶石之間的對話也很關鍵。拿貓眼石來說,當光照下來時,如果位置對了,上面的「貓眼」就能動來動去,非常美妙。天然寶石的條件有限,但創作是沒有限制的,這就是珠寶藝術的挑戰。寶石本身價值高,當設計師變成藝術家時,既需要技術又要有深厚的知識。現在你做的作品是否還停留在別人的層面,還在模仿中前人的一種技術或者認知,還是自我創新?要成為珠寶藝術家,是一個巨大的挑戰。 就像畫國畫,和紙溝通一樣,做珠寶也是和材料溝通,還得創新工具和技術。新的鑲嵌的辦法,或者將寶石重新切割,在寶石上面鑲寶石,經過多年的一個一個變化,我覺得珠寶需要注入更多的心血和創新。我可以一遍又一遍地重做作品,這個過程可以改善生活,增加經濟價值。但對我來說,一旦投入創作,我就會全身心投入,希望我的作品能代表我的存在。即使我不在了,我的作品也能給未來的人啟發。就是這麼一種想法,一步步走到現在這個階段。 A:從剛開始雕刻寶石到現在的珠寶藝術創作,您覺得經歷了怎樣的變化? W:我開始雕刻寶石的時候選擇了孔雀石作為我的第一塊材料。孔雀石在雕刻時,圖案會不斷變化,而其他寶石材料則不會如此。唯獨孔雀石,在雕刻的過程中,你在這裡雕刻一下,那裡雕刻一下,不同的地方都會出現不同的漩渦。這種捉迷藏的感覺讓我覺得在雕刻寶石時就像是和它們一起玩遊戲。那個時候,我雕刻的是觀音佛像,就不允許觀音臉上有漩渦。但是現在我希望追求創造出有旋渦的作品。如今,我覺得製作有旋渦的作品代表著內在世界,每一個細胞都在面相上不停地運動。對於寶石工藝、工具等方面,我從1973年開始就不斷進行訓練。因此,每當一塊寶石在不同的形態或雕刻時突然出現裂紋,我會懂得如何應變,輓救之前付出的時間,讓作品仍能接近完美的狀態。

Saatchi Gallery: RONG BAO IS ME
包蓉是我

RONG BAO IS ME 23 FEB – 31 MARCH 2024 GALLERY 4,Saatchi Gallery “All forms of allure come to our attention through surprise or fascination, since we are not exactly certain about what it is we are dealing with, though we witness to its qualities.” –Graham Harman When Paul Klee painted his work ‘Twittering Machine’

Impressionists on Paper: Degas to Toulouse-Lautrec

Modernity in the second half of the 19th century formed itself in opposition to tradition as both an aesthetic concept and as social experience. It was understood as a new way of experiencing temporality in the form of the forever new and as such is marked by a permanent state of flux or transition. This

Mapplethorpe : Beauty and the devil are the same thing.

“Beauty and the devil are the same thing.’–Mapplethorpe   Time has now lapsed since his premature death (1989) so we might be inclined to ask if a survey show such as this might shed a new perspective on his work, or does it just serve to cement his already consolidated profile. Certainly, there has been

Self-Portraits–Autumn Exhibitions in London 2023

In the fall of 2023, London became the site of several major exhibitions or survey shows that brought to the fore the question of the identity, both artist and the artwork. The following commentary takes a series of Self-Portraits as a focus of attention. The self-portrait is of course persistent through art history, but in

Strangers: Daido Moriyama and Hiroshi Sugimoto
陌生人:森山大道與杉本博司

Strangers(1*): Daido Moriyama and Hiroshi Sugimoto   “Each instant covers the entire world.” Dogen: Shobogen “每個瞬間都包含了整個宇宙的無限。” ——道元禪師《正眼法藏》 It is not often that two major exhibitions of two artists of the same media, of the same nationality and approximate maturity occur in the same city at the same time with such contrasting outcomes. Indeed, what might

Interview with Thierry Noir: Painting a World Where Imagination Breaks Down Walls
專訪特里·諾爾——繪制一個打破想象力邊界的世界

Two years ago, serendipity led me to discover the captivating world of Thierry Noir’s artwork at an esteemed auction house. Since then, I’ve been following his artistic journey. Noir’s oeuvre spans from the realm of mural art to canvas paintings that exude boundless energy and rhythmic music. His artworks often feature anonymous figures with circular

Philip Guston: Doomed
菲利普·古斯頓:註定失敗

Preface The fragmentary essay below does not aspire to render a contextual study of the painter in ways that are structurally adequate to the task of synthesising its findings within other more comparative findings. Rather it is attempts to constitute its object as being spectrally other in that the text posits a final fold within

Interview with Fang Lijun—— Exploring Portraits and Porcelain
專訪方力钧——探索面孔与陶瓷

Ashmolean Museum, Oxford 14.10.2023 – 13.04.2024   Ashmolean Museum in Oxford is currently hosting a solo exhibition by renowned Chinese contemporary artist Fang Lijun, titled Fang Lijun: Faces and Ceramics. This exhibition is meticulously curated by Professor Shelagh Vainker, who serves as both the curator for Chinese Art at the Ashmolean Museum and an Associate

The Brink
塵埃之盡

7th – 9th October, 2023 Ugly Duck   Frieze week is as popular as ever, drawing art enthusiasts and collectors from around the world. During this vibrant week, we’re excited to see a dynamic and highly talented team of young curators, Tiderip and their exhibition “The Brink”.  The team is making their mark on the

Thierry Noir:Techno
特里·諾爾:電音

  Christie’s 28th September – 2nd October 2023   This autumn, Christie’s presents “Thierry Noir: Techno,” an immersive installation by the iconic Berlin artist Thierry Noir that is infused with music-inspired creativity. This remarkable exhibition is a collaborative effort with London’s legendary nightclub, Fabric. Thierry Noir began his artistic journey when he relocated from France

Gabrielle Chanel:Fashion Manifesto
香奈兒小姐的時尚宣言

  Victoria & Albert Museum  16 September 2023 – 25 February 2024   The Victoria and Albert Museum (V&A) in London presents the groundbreaking “Gabrielle Chanel:Fashion Manifesto” exhibition, running from 16 September 2023 to 25 February 2024. This exceptional showcase, marking its UK debut, is dedicated to the legendary French couturière, Gabrielle ‘Coco’ Chanel, tracing

David Hockney: Bigger & Closer (not smaller & further away)
大衛·霍克尼:更大更近(而不是更小更遠)

22 February – 3 December 2023 Lightroom, King’s Cross   Designed by 59 Productions in collaboration with Haworth Tompkins, Lighroom in King’s Cross is a sister space to the award-winning Bridge Theatre. This is London’s newest home for artist-led shows and the current host of the immersive exhibition “David Hockney: Bigger & Closer (not smaller

Interview with Evan Pricco: Constant Conversation between Street and Gallery
專訪埃文·普里科:街頭與畫廊的持續對話

Beyond the Streets London Saatchi Gallery 17 February  – 9 May 2023   Unveiled in February, Beyond the Streets London, supported by Adidas Originals, presents a resplendent display of over 100 international artists’ creations, ranging from audacious train writers to esteemed large-scale muralists. This unparalleled exhibition, which encompasses all three floors of the renowned Saatchi Gallery

Interview with Erin Li——From Shadow to Spotlight : Women Artists and Global Abstraction
專訪李伊寧——滄海遺珠:女性藝術家與全球抽象藝術

Action, Gesture, Paint: Women Artists and Global Abstraction 1940-70 Whitechapel Gallery 9 February – 7 May 2023   The Whitechapel Gallery is showcasing a major collection of 150 paintings created by 81 women artists from around the world. This exhibition focuses on the gestural abstraction movement that emerged after the Second World War and highlights

Mike Nelson: Extinction Beckons
Mike Nelson: 逝去的召喚

Hayward Gallery 02 Feb – o7 May 2023   The Hayward Gallery is currently showcasing a survey exhibition of large-scale immersive installations and sculptural works by acclaimed British artist Mike Nelson, titled “Extinction Beckons.” This exhibition features psychologically charged installations that transport viewers into captivating fictional worlds with a resemblance to our own. Nelson, who

Donatello: Sculpting the Renaissance
多納泰羅:塑造文藝復興

V&A Museum 11 February – 11 June 2023 The Victoria and Albert Museum in London is currently hosting the exhibition Donatello: Sculpting the Renaissance which explores the works of the Renaissance master Donatello. The exhibition showcases over 50 artworks never seen before in the UK, providing a fresh and unique vision of the artist, his

Making Modernism: discovering pioneering women of Modernism
創造現代主義:發現現代主義先鋒女性藝術家

Royal Academy of Arts 12 November 2022 – 12 February 2023 The Royal Academy of Arts is presenting Making Modernism, the first major UK exhibition focusing on pioneering German women artists hidden from the history of 20th-century Modernism. Making Modernism will primarily show artworks by Paula Modersohn-Becker, Käthe Kollwitz, Gabriele Münter and Marianne Werefkin. Additionally,

THE EY EXHIBITION: CEZANNE
EY特展:塞尚

Tate Modern 5 October 2022 — 12 March 2023   In autumn 2022, Tate Modern will present a once-in-a-generation exhibition of paintings, watercolours and drawings by Paul Cezanne (1839-19061). Famously referred to as the “greatest of US all” by Claude Monet, Cezanne remains a pivotal figure in modern painting who gave license to generations of

CORNELIA PARKER
科內莉亞·帕克

TATE BRITAIN 18 May – 16 October 2022   Tate Britain presents the first major survey of Cornelia Parker’s works held in London. One of Britain’s leading contemporary artists, Parker is responsible for some of the most unique and unforgettable artworks of the past thirty years. Driven by curiosity, Parker transforms seemingly everyday objects into

The London Masterpiece Fair 2022
倫敦巨匠臻藏藝博會2022

the Royal Hospital Chelsea South Campus from June 30 to July 6, 2022   The London Masterpiece Fair is a must-see art fair where visitors can view and purchase the finest works of art, design, furniture and jewellery from antiquity to the present day. The fair offers an unparalleled opportunity for new and established collectors

Design Miami/Basel 2022 – 第16屆邁阿密/巴塞爾設計展

From 13 June to 19 June 2022 Returning to Switzerland for its 16th edition, Design Miami/Basel provides a platform to showcase, acquire, create and discuss collectable designs worldwide. Art Basel combines the work of established and emerging designers from around the world in various disciplines with a series of exhibitions showcasing collectable furniture, lighting and

Documenta 15
第十五屆卡塞爾文獻展

Kassel, Germany 18 June to 25 September 202   Documenta 15 will take place from 18 June to 25 September 2022 at various venues in Kassel, Germany, under the artistic direction of ruangrupa. The Jakarta-based artist collective bases Documenta 15 on lumbung’s core values and philosophy, the Indonesian name for the public rice silo. Lumbung, an artistic

Art Basel 2022
2022 瑞士巴塞爾藝術展

Messe Basel 16-19 June 2022   Despite a stalled global economic recovery in the wake of the epidemic, turmoil in financial markets, severe setbacks in crypto markets and staggering inflation in many developed countries, the art market performed surprisingly well in the midst of the economic downturn. The three major auction houses posted a year-on-year

Reframed: The Woman in the Window
重置:窗中的女人

Dulwich Picture Gallery Wednesday 4 May – Sunday 4 September 2022   Reframed: The Woman in the Window is the first exhibition to explore the enigmatic motif of the ‘woman in the window’. Featuring artworks from ancient civilisations to present day, the exhibition brings together over 50 works by artists including Rembrandt Harmensz van Rijn,

WE CAN’T DO THIS ALONE | An Interview With Danielle Brathwaite-Shirley 
我們無法獨自完成:專訪藝術家Danielle Brathwaite

  Artist and game designer Danielle Brathwaite-Shirley held an intimate playtesting event, WE CAN’T DO THIS ALONE, in south London on 11 April 2022. The event followed a six month  period of research and development (R&D) with Serpentine’s Arts Technologies team  where she and developer Rob Prouse employed surveillance  technologies such as motion capture, facial

The Credit Suisse Exhibition: Raphael
拉斐爾

National Gallery 9 April – 31 July 2022   Marking the 500th anniversary of Raphael’s death in 2020 and delayed because of Covid restrictions, the National Gallery presents one of the first-ever exhibitions to explore the complete career of this giant of the Italian Renaissance. A painter, draughtsman, architect, designer and archaeologist who captured in

Van Gogh Self-Portraits
梵高自画像

The Courtauld Gallery 3 February –8 May 2022   The first ever exhibition devoted to Vincent van Gogh’s self-portraits across his entire career will take place at The Courtauld Gallery from 3 February – 8 May 2022. Van Gogh Self-Portraits takes as its springboard Van Gogh’s iconic Self-Portrait with Bandaged Ear, one of the most

Beyond Borders 2020
Online Exhibition

Life is short, and art long, opportunity fleeting, experimentations perilous, and judgment difficult. The words are from Aphorisms by Hippocrates, the Father of Medicine, and after two millenniums and a half, they are still valid and insightful. We are living in a fleeting, perilous and difficult time, and it is hoped that art can guide

Queen Victoria’s Palace, Summer Opening of Buckingham Palace
維多利亞女王的宮殿

The music, dancing and entertaining that characterised the early part of Queen Victoria’s reign will be recreated through special effects and displays throughout the State Rooms at this year’s Summer Opening of Buckingham Palace from Saturday, 20 July. To mark the 200th anniversary of the birth of Queen Victoria (1819–1901), the exhibition Queen Victoria’s Palace tells the story

Unconscious Landscape Works from the Ursula Hauser Collection
无意识的风景——乌苏拉·豪瑟收藏展

Hauser & Wirth Somerset is proud to present ‘Unconscious Landscape. Works from the Ursula Hauser Collection’, an exhibition focused entirely on female artists. Over the course of four decades Ursula Hauser has assembled a deeply personal collection of works that brings together a remarkable overview of late 20th century modern masters in dialogue with contemporary artists.

                   

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